Marc Bolan - Tyrannosaurus Super Star

Toda estrella tiene su ciclo de vida.... su brillo encandila hasta que algún día, inevitablemente se desvanece. Algo parecido, podríamos decir que ocurrió con el Tyrannosaurus Rex, terrible depredador que gobernó la tierra en el período Cretácico, donde fue el verdadero rey hasta que en algún momento, algo pasó.... Mar Bolan se ajusta perfectamente a estos dos ejemplos. Fue un Tyrannosaurus único en su especie que nació para ser estrella. Brilló y brilló.... pero esta claro que nada es para siempre.... un día su luz comenzó a apagarse y su final antes de tiempo, fue inesperado y abrupto. Aún así dejó una inmortal estela que atestigua su crucial paso por el firmamento del rock y que alumbró el camino de más de una generación. Sin dudas uno de mis favoritos.... se me hace agua la boca, no puedo esperar más por contarles sobre este inmenso artista que le puso como nadie ese "touch distinto" a este movimiento que tanto nos apasiona.

Amigos.... Todos los reflectores para él. Daremos el merecido homenaje a Marc Bolan, el verdadero último Tyrannosaurus que pisó nuestra maldita tierra....

Mark Feld nació un 30 de Septiembre de 1947 en el laborioso suburbio de Hackney, al este de Londres. Se crió en el seno de una familia humilde y trabajadora, que como a muchos, nada le sobraba. De niño comenzó a sentir tanta atracción por la música, que a los nueve años su padre le compró su primera guitarra. Mientras se transformaba en un apasionado por el rock clásico de artistas como Bill Halley, Gene Vincent y Eddie Cochran, su colección de vinilos comenzaba a crecer de a pilas en su habitación. A los doce años comenzó a formar sus primeras bandas juveniles.
Su comportamiento en la escuela dejaba  bastante que desear, cuentan las malas lenguas que era bastante pendenciero.... Pronto se daría cuenta que los estudios no eran lo suyo. Su expulsión ayudaría a volcarse a su creciente amor por la música.... pero el joven Mark tenía tanta atracción por la música como por las cámaras....
Sabido dueño de una imagen eclipsante, y para ganarse algunos mangos, comenzó a alternar trabajos como modelo publicitario y actor. Empezó a aparecer en pequeños papeles adolescentes de algunos programas televisivos de la época. Su pasión por el Rock & Roll lo llevó a dedicarse con mayor ahínco a desarrollar sus composiciones en la guitarra. Jamás fue un virtuoso pero su estilo era muy melodioso y tenía un gran sentido rítmico. La literatura fantástica y los grandes poetas románticos de la Inglaterra del siglo XIX lo cautivaban, Oscar Wilde, uno de sus preferidos. Sus primeras letras serias se empaparían de ese aire medieval y tolkineano de sus lecturas. Luego de  vagar durante unos meses por Francia siguiendo a un mago y a su regreso a Inglaterra, comenzó a preparar material para presentar en algunas discográficas, primero bajo el nombre artístico de Toby Tyler y luego como Mark Bowand. Una de esas composiciones, "The Wizard", captó el interés del sello Decca que lo editó bajo ese seudónimo.
Eran los finales de 1965, por aquellos días el folk comenzaba a electrificarse y la influencia de Dylan impactaría muy fuerte en él como en tantos jóvenes. Esto no solo se reflejaría en su música sino también, en la adopción de su definitivo nombre, que saldría de  la  contracción del nombre de su ídolo (Bo-Lan). Así Mark Feld se transformaría en quién conoceríamos definitivamente como Mark Bolan.

En 1966 lograría editar su segundo single "The Third Degree" por el sello Decca y posteriormente "Hippy Gumbo" por Parlophone. Ambos no tendrían demasiada trascendencia, pero le serviría de plataforma para mostrarse. Pronto se contactaría con el manager y productor Simon Napier-Bell que lo invitaría a unírseles a sus representados, los psicodélicos y mod, John's Children. En 1967 ya como guitarrista de la banda, compondría y editaría por el sello Track, los sencillos "Desdemona", "Midsummer Night's Scene", "Sara Crazy Child" y "Go Go Girl". Su paso por la banda sería fugaz, ya que descontento con su sonido, se abrió paso en una nueva búsqueda.

De inmediato se dedicó a armar una banda capaz de plasmar sus propias ideas musicales, y puso anuncios en los periódicos. Uno de los que llegó con el diario bajo el brazo fue el percusionista Steve Turner, pronto se rebautizaría como Steve Peregrin Took, tomando el nombre prestado al hobbit de "El Señor de Los Anillos" de J.R.R. Tolkien. No fue el único que acudió a su llamado, pero luego de probar con distintos músicos, el concepto original de banda finalmente transmutó en dúo acústico. Nacía Tyrannosaurus Rex.
La grandilocuencia de semejante nombre contrastaba con la simplicidad de su música. Su propuesta se basaba en un sonido psico-folk melodioso plagado de ragas de guitarras acústicas acompañado tan solo por un bongo. Si bien los temas eran simples, tal formato se prestaba  a un juego de improvisación que los hacía distintos, donde a la particular voz de Bolan se le sumaba los coros y juegos vocales de Took, creando así un clima único. Las letras remitían a ese mundo fantasioso y mitológico de sus lecturas, compartidas con el mismo Took. La química del dúo y la novedosa propuesta llamó la atención del público más intelectual de Londres, más abierto a la movida hippie que venía del "nuevo mundo", más precisamente de San Francisco. La nueva propuesta comenzó a circular en el circuito underground londinense. Los primeros murmullos llegarían a oídos del popular disc-jokey John Peel, que lo hizo uno de sus favoritos, dándoles un gran espaldarazo en su programa radial de la BBC y haciéndoles habitúes de sus "Peel Sesions". Pronto el productor Tony Visconti posaría los ojos sobre ellos. En una de esas mágicas noches del UFO londinense, el dúo se presentaba como la nueva atracción y Visconti, rápido de reflejos fue a verlos. Casi una cita a ciegas, ya que había escuchado hablar algo de ellos, pero a ciencias ciertas no sabía demasiado de que se trataba. Era una época donde los caza-talentos se agolpaban en los clubes buscando descubrir "la gran cosa nueva", y el UFO estaba en la vanguardia del Londres de aquellos días. El productor quedó prendado por el talento de Bolan, y enseguida (no sea cuestión que se le anticiparan....) los fichó para el sello Essex Music, subsidiaria de EMI. En Abril de 1968 saldría a la luz "Debora", su primer simple que llegaría al puesto treinta y cuatro de los charts británicos. 

En Julio de ese año debutarían con su primer álbum que llevaría  el módico título de.... "My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows". (Perdón como era.... My People.... queeee???). Okey, quedamos así.... el primer disco de los Tyrannosaurus Rex !!!.

Este primer trabajo plagado de bellas y simples melodías pastoriles, nos remite a un sonido que nos recuerda a la Incredible String Band, aunque mucho más accesible. Se destacan grandes canciones como "Hot Rod Mama", "Scenescof", "Child Star", "Mustang Ford", "Knight" y "Frowning Atahualpa (My Inca Love)". Guitarra acústica y bongo, puro folk y psicodelia !!. El disco fue muy bien recibido por la prensa y el público, llegando al puesto quince del chart británico.

En Octubre de ese mismo año editarían "Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages" (un poquitín mas corto....) continuando con la misma línea psico-folkie, donde nuevamente se percibía esa suave brisa Tolkiniana. Sobresalen temas como "Deboraarobed", "Stacey Grove", "Wind Quatets", "Aznageel The Mage", Salamanda Palaganda" y "The Travelling Tragition". Este trabajo no tuvo la acogida que su predecesor, pero de todas formas el público y su reputación seguían creciendo.

 En Mayo de 1969 llegaría la consagración con su tercer y mejor trabajo, "Unicorn", que se ubicaría directamente en el puesto doce de las listas británicas. Más bellas canciones brotan del corazón de este tierno Tyrannosaurus.... Podemos apreciar hermosas perlas como "The Throat of Winter", "Catblack (The Wizard's Hat)", "She Was Born to be my Unicorn" (su canción más bella a mi entender), "Evenings of Damask", "Iscariot", "The Pilgrim's Tale".

En este trabajo comienza a incorporar otros instrumentos como batería, pianos, órganos, vientos, pero dosificados de manera tal que no perdieran su esencia acústica.

Acompañarían este álbum con la edición de un sencillo en el que por primera vez incorporarían una guitarra eléctrica "King of the Rumbling Spires".
Con tres respetados trabajos y la muy buena recepción en Reino Unido, llegaría el momento de probar suerte del "otro lado del charco". Su gira por los Estados Unidos no tuvo los resultados esperados, prácticamente pasaron desapercibidos por el público norteamericano, víctimas de  la mala planificación y de una escasa promoción. Este duro golpe tuvo su fuerte impacto en el dúo, en la que las relaciones personales ya se encontraban en un punto tenso. La  forma de vida de ambos eran  bastantes disímiles, mientras Marc llevaba una apacible vida junto a su novia June y comenzaba a visualizar su sueños de estrella, Took vivía en un clima de permanente confrontación, incluso vinculándose con grupos de ideas anarquistas (en realidad, un incomprendido idealista). El concepto comercial que parecía inevitable, no entraba en los planes de Took. La negativa de Bolan de incorporar sus letras, aumentó su sentimiento de abandono creativo y precipitó su alejamiento. Steve Peregrin Took dejó de ser un Tyrannosaurus para dedicarse a otros proyectos personales más afines. Muy pronto sería reemplazado por el percusionista Mickey Finn.

El nuevo dúo debutaría en Marzo de 1970 con "A Beard of Stars". El sonido sería otro.... Took se llevaría en sus valijas todo el misticismo y la experimentación. Las guitarras eléctricas ganarían presencia y los riffs  gloriosos de Bolan se incorporarían a su sonido  habitual. El costado experimental va dando lugar a un sonido más pop y más cercano a las convenciones del rock, que sería el preanuncio de lo que vendría.... La era del Glitter venía asomando su nariz.... y lo atestiguan el sonido de canciones como "A Day Laye", "The Wooland Bop", "First Heart Mighty Dawnart", "By the Light of a Magical Moon", "A Beard of Stars", "Great Horse" y el salvaje "Elemental Child".
Este álbum fue el punto de inflexión en su música, parte de su público (amante de ese sonido  psico-folkie) no aceptó y menos acompañó el cambio, pero este fue el puntapié inicial para un nuevo sonido que dejaría huella durante el primer lustro de los dorados 70's.
Llegaría nuevamente una gira por los Estados Unidos con los mismos resultados adversos. Marc y June se casaron, y ella sería un gran sostén emocional para enfrentar este crucial momento de cambio.
La historia cuenta que Tony Visconti, cansado de escribir tan exuberante nombre, solía abreviar para enojo del propio Bolan, el nombre del dúo como "T. Rex" en toda documentación pertinente. Bolan entendiendo que estaba ante un verdadero giro en el rumbo de su música, asumió que posiblemente era un buen momento como para rebautizarse y aceptar tal abreviación.... que de alguna manera resumía una mayor simplicidad en su música.
En Octubre de 1970 debutarían bajo ese nombre y por el  sello Fly con el sencillo "Ride a White Swan", que se encumbraría directamente en el puesto dos del ranking inglés.
En Diciembre de ese año saldría a la luz "T. Rex", un trabajo de buena acogida por el público (puesto trece en los charts británicos), aunque con un resultado artístico bastante irregular. Si bien no quedaba casi nada de aquella música de sus comienzos, en la nueva temática podemos resaltar canciones como "Jewel", "Diamond Meadows", "Root of Star", "Beltane Walk", como así también el rescate de aquella primera canción que llamó tanto la atención en sus tiempos previos a John's Children, "The Wizard".
Con Bolan y Finn repartiéndose los instrumentos, la colaboración de su productor Tony Visconti en el piano, más el agregado de coros por parte de Howard Kaylan y Mark Volman, miembros de los Turtles, el dúo sonaba como una verdadera banda.... Entonces, porque no formar directamente una banda hecha y derecha?....
Inmediatamente convocaron al bajista Steve Currie y al baterista Bill Legend para reformular a T. Rex como un cuarteto. Bajo este nuevo aspecto editarían en Febrero de 1971 el single "Hot Love"  que fue su primer número uno en ventas en Inglaterra, manteniéndose así por seis semanas.
Poco después el cuarteto grabaría un álbum que haría historia, "Electric Warrior" lanzado en Septiembre de 1971. Con este disco podríamos decir que nació el Glam Rock, o por lo menos se evidenció....
Temas pegadizos, riffs machacantes, voces en falsetes, y un invitación permanente a mover el piecito.... Este disco tuvo todo lo necesario para sacar un pasaje directo al olimpo de los clásicos. No había puntos bajos, cada tema tenía lo suyo, constituyéndose en verdaderas joyas que sentaron la base del  movimiento conocido como Glam Rock: "Mambo Sun", "Cosmic Dancer", Jeepster", Monolith", "Girl", "The Motivator", "Rip Off" y el enorme "Get It On" (número uno en ventas en Inglaterra y puesto diez en las listas Billboard de los Estados Unidos, donde se lo rebautizó como "(Bang a Gong) Get It On". El álbum contó con la colaboración de Ian Mc Donald en saxo (que había tocado con King Crimson) y de Rick Wakeman en el piano de Get In On.
El álbum estuvo durante seis semanas en lo más alto de las preferencias inglesas, los norteamericanos observaban de reojo.... y comenzaban a tomar cuenta de ellos.

Cuenta la leyenda, que en camerinos y a la espera de una presentación para el mítico programa televisivo "Tops of The Pops", Bolan se colocó brillantina en los ojos, como un juego para descomprimir la tensa espera. Pero el "Vamos.... a escena !!!" hizo que saliera a grabar sin recordar que sus ojos brillaban más que  las marquesinas de Broadway.... Si se parecía a un arbolito de navidad!!!.... Al público le encantó y el estilo glitter, pronto comenzó a ser adoptado por parte del Show Business y obvio por su nueva legión de fanáticos seguidores.... El rock se volvía visual y espectacular, aunque no precisamente refinado....
Bolan había encontrado un recurso muy efectivo.  La propuesta parecía decir: "Saca tu parte ambigua de tu corazón.... solo por hoy". Soy, pero no soy.... quién soy?. En realidad, un simple juego de seducción.
Una cuidadosa puesta visual, mucha teatralidad, el juego de la ambiguedad sexual, el niño dulce que a veces se ponía rudo.... todo eso fue parte de un nuevo circo del que Marc Bolan era su principal predigistador. Nuevamente se volvieron a escuchar esos aullidos histéricos de jóvenes adolescentes que se habían ahogado en aquellos días de locura Beatles. Estábamos en presencia de un nuevo fenómeno. En Reino Unido había llegado una nueva fiebre, la "T-Réxtasys". En cada concierto las salas reventaban de gente, era el momento de T.Rex y Marc Bolan se convertía en una estrella consumada.
Con Inglaterra a sus pies, subió su apuesta y fundó su propio sello T. Rex Wax Co con los que grabaría su siguientes trabajos, que serían distribuidos por la EMI. Pero antes su viejo sello Fly no  dejaría escapar su último tiro y lanzaría el compilado "Bolan Boogie", que como era de esperar también rankeó en la cima.
Este álbum le tocó competir con su primer trabajo para su propio sello, "The Slider", editado en Julio de 1972. Nuevamente número uno en Gran Bretaña, y un para nada despreciable  puesto diecisiete en los Estados Unidos, tierra esquiva para él. En Europa el álbum se vendía como pan caliente a merced de sus dos caballitos de batalla, las canciones "Metal Guru" y "Telegram Sam", que como singles reventaban las bateas. Otras canciones que sostenían este disco "bastante pomposo" eran "Rock On", "Spaceball Ricochet", "Ballrooms of Mars", entre otros.

Como el Rey Midas, todo  lo que tocaba se convertiría en oro. Si faltaba algo como para aumentar  aún más la T.Rexmanía, era una película.... Bingo !!! Por aquellos días, había sembrado una gran amistad con Ringo Starr, que andaba con delirios de director de cine. Confeso fan de la banda, le propuso filmar una película sobre toda esta locura desatada, que en parte le hacía recordar viejos tiempos. El resultado fue "Born To Boggie" un documental basado en sus presentaciones en Wembley, con la participación del propio Ringo y Elton John, más la incorporación (en tierras de Monty Python) de algunos presuntamente graciosos pasos de comedia?.... que hicieron delirar solamente.... a sus fans.
Para cualquier mortal sobre la tierra sería difícil manejar semejante exposición, entonces porque no habría de serlo para el propio Bolan. La vida de super estrella comenzaba a ser una pesada carga, que solo se aliviaba con grandes cantidades de alcohol. Su esposa June, no pudo seguirle el tren. Tras su debacle matrimonial siguió adelante con su vida.... pero ya empezaba acusar un cansancio de todo "este gran circo".
Para entonces bandas como Slade, Sweet, Mott The Hoople, Roxy Music y solistas como Jobriath, Gary Glitter o el mismísimo Lou Reed de Transformer, tomaban prestada toda esa magnificencia cargada de zapatos de plataforma, plumas, galeras y purpurina. Pero había alguien de la misma factoría Visconti, que había sabido reinterpretar mejor que nadie ese universo glam creado por el Tyranosurio. La presencia de David Bowie era algo difícil de digerir para el ego de Bolan, ambos se admiraban demasiado. Bowie había podido llegar al corazón americano.... la tierra donde había nacido el Rock and Roll, un obstáculo que Marc Bolan nunca pudo superar. El trono glam estaba en juego.... el tiempo quizás injustamente, declararía un virtual vencedor.
Luego de la edición de los exitosos sencillos "20th Century Box" y "The Groover", la banda lanza en Marzo de 1973 el LP "Tanx", un álbum donde se escuchaba un Bolan más enojado, como queriendo escapar a la parafernalia creada por el mismo. Comienza a incorporar otras sonoridades, con elementos prestados del Soul (un paso antes del "Young American" de su "queridísimo" Bowie). Una etapa se va cerrando y su testamento queda reflejado en canciones como "Tenement Lady", "Mister Mister", "Brooken Hearted Blues", "Shock Rock", "Country Honey", "Electric Slim and the Factory Hen", "Born to Boogie" y "Left Hand Luke".
Una nueva gira por los Estados Unidos para respaldar este disco, le daría nuevamente la espalda. No había caso che !!!.
Su banda había incorporado coros soul a su música, y allí cobraría una importancia fundamental, no solo en el nuevo sonido, sino también en su vida personal una de sus coristas, la morena Gloria Jones. Pronto se convertiría en su novia y ayudaría a darle aire fresco y una nueva coloratura a su música, ayudando incluso en los nuevos arreglos vocales. A la banda también se le había sumado el guitarrista rítmico Jack Green, que le daba nueva posibilidades instrumentales al renovado sonido.
Nuevas inquietudes asomaban en su vida, por esos días estrenaba la pieza instrumental "Blackjack" bajo el seudónimo de Big Carrot y comenzaba a vincularse con otros artistas, realizando colaboraciones con La Electric Light Orchestra y Ike & Tina Turner.
El baterista Bill Legend abandonaría la agrupación, siendo reemplazado por Davy Lutton. Unos renovados T. Rex, pronto entrarían a estudios.

En Febrero de 1974 la banda editaría bajo el nombre de Marc Bolan & T. Rex, el álbum "Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow - A Creamed Cage in August". Volvían los títulos aparatosos y Marc Bolan cambiaba nuevamente de piel. Un muy buen álbum muy desestimado por la crítica, su público no se mostró muy convencido con el cambio, aunque el disco llegaría al puesto doce las listas británicas. Este nuevo trabajo se presenta cargado de orquestaciones y un cierto perfume impregnado de soul sobrevuela la nueva atmosfera tyranosauria (mientras tanto.... un andrógino David Bowie tomaba debida nota). En este trabajo sobresale especialmente los aportes vocales de su nueva musa, Gloria Jones. En lo particular este es un disco que me encanta!!!, donde se escucha un Bolan maduro y con ganas de escaparse de su jaula de oro. Citamos hermosas y trabajadas canciones como "Sound Pit", "Change", "Teenage Dream", "Carsmile Smith & The Old One", "You've Got to Jive to Stay Alive - Spanish Midnight", "Interstellar Soul" y "The Leopards Featuring Gardenia and The Mighty Slug".... Que Bah, un discazo !!!.
Un Marc Bolan que ya consumía cantidades importantes de cocaína, rompe su histórico vínculo con Tony Visconti, que se sumerge de lleno en el mundo Bowie. Este hecho y un  lógico desgaste personal  comienzan a anticipar una vertiginosa caída en picada en su popularidad. Su siguiente álbum "Bolan's Zip Gun" editado en febrero de 1975, tendría escasa recepción de parte del público y la poca atención de la critica. Este trabajo fue producido por el mismo Bolan y mientras Jack Green se bajaba de la banda, se incorporaba el tecladista Dino Dines. El disco continúa con línea de su anterior trabajo, plagado de arreglos vocales. Particularmente destaco canciones como  "Precious Stars", "Token of My Love", "Till Dawn" y "Golden Belt". Ya no existían los hits.
Las presentaciones cada vez eran menores, la prensa ya no hablaba tanto de él, las cámaras se apagaban.... Pero no todo eran malas, ese año nacería el hijo de Marc y Gloria.
En el medio de la confusión se bajaba del barco el percusionista Mickey Finn. Un Bolan excedido y navegando en el medio de la marea, registraría un nuevo álbum, "Futuristic Dragon" que saldría a la venta en Enero de 1976. Ni figuraría en las listas y pasaría totalmente desapercibido por público y prensa, al tiempo que un nuevo movimiento, el Punk Rock escupiría toda su bronca en las calles londineses. Ya no había lugar para las estrellas en la convulsionada Inglaterra de aquellos días....
En este trabajo se notaba especialmente un profundo bajón creativo. Canciones sobrecargadas, sonidos reiterativos evidencian a un Bolan que había perdido su brújula. En lo personal me cuesta mucho nombrar algún tema para destacar, pero si tengo que citar algunos, me quedo con "Chrome Sitar",  "Ride My Wheels" y  "Casual Agent" que todavía conservaban algo del espíritu de sus últimos trabajos.

Problemas fiscales lo apartaron por un tiempo de su tierra natal, encontrando refugio en Montecarlo. Tomó cierta distancia de la música  y comenzó a escribir en una columna semanal para  la revista musical "The Record Mirror".
Luego de un año, un renovado Marc Bolan parecía resurgir de sus cenizas con un saludable álbum que lo ponía nuevamente en boca de todos. En Marzo de 1977 editaría "Dandy in The World", un trabajo en el que parecía recuperar la energía y volver a las fuentes del Rock & Roll. En este trabajo había alistado un importante número de músicos de sesión, en que se destacaban el guitarrista Miller Anderson, el bajista Herbie Flowers y el baterista Tony Newman. Buenos temas nos devuelven a un Bolan con ganas de recuperar su terreno perdido, esa renovada frescura queda plasmada en canciones como el tema que le da nombre al disco "Dandy in The World", "Crimson Moon", "Universe", "I'm a Fool for your Girl", "Visions of Domino", "Jason B. Sad", "Groove a Little" y "Pain and Love". 
Este buen momento es acompañado por una nueva explosión mediática incrementada por la popularidad de su propio show televisivo "Marc", que lo acercaba a toda una nueva generación de jóvenes que veían en el un gurú y un personaje de culto. Llamativamente se había ganado el respesto del movimiento punk, y tal hecho lo demostraría el ser teloneados durante una de sus presentaciones por el grupo The Damned.
Uno de los momentos más importantes de ese show televisivo, fue la visita de su archi-rival David Bowie (tal rivalidad evidenciaba ese profundo respeto y admiración del uno por el otro). Entre diversas flores que se tiraron mutuamente, prometerían hacer algo juntos....
Este momento maduro de su carrera se iba a cristalizar con la firma del contrato con RCA para un nuevo álbum que se titularía "Jack Daniels".... pero todo quedaría en la nada. La tragedia pronto golpearía la puerta.
El 16 de Septiembre de 1977 Marc Bolan perdería automáticamente la vida, al chocar contra un árbol el auto que manejaba su novia Gloria Jones. Tenía tan solo 29 años. Un mes antes, el Rey Elvis tenía la poca delicadeza de morirse.... Otro ser de carne y hueso moría, otro mito nacía....

Pero las estrellas deben estar donde tienen que estar.... allá arriba y en el cielo. En ese lugar que tenían de antemano reservado y para siempre.... Es allí donde naturalmente viven. Desde allí, brilla más luminoso que nunca, siendo observado por las siguientes generaciones que lo siguen viendo como  un referente. Así fue Marc Bolan, un poco grasa.... un poco genial.... un artista único e indispensable, que le dió al Rock brillo, color, glamour y porque no.... un poco de rebeldía?.
Por aquellos días, el Rock se maquilló y se puso un poco más bonito.... Buscó en el placard y encontró su mejor vestido de fiesta.... Sin duda fueron momentos mágicos e irrepetibles. El Rock de vez en cuando, suele sorprendernos....

Ahora lo más lindo de todo esto.... Lo único que justifica tantas palabrerías.... 
Permitamos que Bolan haga su trabajo.... dejémonos seducir por sus gloriosas canciones!!. Vivan, sientan, sean libres.... Todo esta permitido.
Me despido y los dejo en compañía de su música, pero antes una sola cosa quisiera recordarles.... Por favor nunca se olviden.... que el auto y el delineador, nunca deben prestarse....

Tyrannosaurus Rex - "Debora" su primer single de 1968.

Tyrannosaurus Rex - "Salamanda Palaganda" del álbum "Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages" de 1968.

Tyrannosaurus Rex - "She Was Born to Be My Unicorn" del álbum "Unicorn" de 1969.

Tyrannosaurus Rex - "A Day Laye - Lofty Skies - Great Horse" del álbum "A Beard of Stars" de 1970.

Tyrannosaurus Rex - "Root of Stars" del álbum "A Beard of Stars" de 1970.

T.Rex - "Elemental Child" del álbum "A Beard Of Star" de 1970.

T.Rex - "Hot Love" sencillo de 1971.

T.Rex - "Mambo Sun" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Jeepster" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Cosmic Dancer" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Life's a Gas" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Get It On" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Monolith" del álbum "Electric Warrior" de 1971.

T.Rex - "Metal Guru" del álbum "The Slider" de 1972.

T.Rex - "Telegram Sam" del álbum "The Slider" de 1972.

T.Rex - "Baby Strange" del álbum "The Slider" de 1972.

T.Rex - "Spaceball Ricochet" del álbum "The Slider" de 1972.

T.Rex - "Children of the Revolution" sencillo de 1972.

T.Rex - "20th Century Boy" sencillo de 1973.

T.Rex - "Broken Hearted Blues" del álbum "Tanx" 1973.

Marc Bolan & T.Rex - "Teenage Dream" del álbum "Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow - A Creamed Cage in August" de 1974.

Marc Bolan & T.Rex - "Light Of Love" del álbum "Bolan's Zip Gun" de 1975.

Marc Bolan & T.Rex - "New York City" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.

Marc Bolan & T.Rex - "Dreamy Lady" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.

Marc Bolan & T.Rex - "Laser Love" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.

Marc Bolan & T.Rex - "Dandy in the Underworld" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.

Marc Bolan & T.Rex - "Soul of my Suite" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.

Marc Bolan & T.Rex - "Crimson Moon" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.

Marc Bolan & T.Rex - "Groove a Little" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.

Grateful Dead - El sabor ácido de la libertad.

Cuando hablamos de una banda o artista de culto, nos referimos en esos términos a aquellos hechiceros que no solo tuvieron la capacidad de provocar algún tipo de emoción, sino que además nos mostraron su aura. Son artistas que poseen "eso distinto" que es capaz de conectar con el sentimiento de sus seguidores, con los que experimentan una verdadera comunión que camina por la delgada cuerda de lo devocional, ese sentir que tan solo ellos y quienes le rinden culto pueden entender....
Algunos artistas se encontaron de casualidad y sin proponérselo con ese título.... Otros ni siquieran pudieron enterarse.... y hubo quienes fueron construyendo de manera artesanal, esa relación casi simbiótica con su público.... a tal punto que pasan a convertirse directamente en "su gente".
Sin hacer mucho esfuerzo, se me ocurre una banda que supo encajar mejor que nadie en ese concepto. Si hablamos de banda de culto.... nadie mejor que los Grateful Dead.

Se iniciaron en 1965 en Palo Alto, California, donde parte de los integrantes de los "Mother McCree's Uptown Jug Champions", se reagruparon en una nueva formación llamada de "The Warlocks". Al poco tiempo tuvieron que cambiar su nombre, debido a que estaba siendo utilizado por otro emergente grupo (que en el futuro se rebautizaría como The Velvet Undergound). Su nueva identificación surgió espontáneamente de Jerry García, luego de una búsqueda aleatoria en el diccionario.... "Que tal.... Grateful Dead ?". Algo así como "Los Muertos Agradecidos....".
En ese preciso momento "algo grande" se estaba gestando en San Francisco. Es por eso, que en breve se trasladaron a la zona de Haight-Ashbury, donde se estaba desarrollando el incipiente movimiento hippie (junto a otras bandas como Jefferson Airplane, Big Brother & The Holding Company), del cual los Dead serían uno de sus principales referentes y animadores. Allí vivían en comunidad en el 710 Ashbury Street. San Francisco se había convertido en el faro de la contracultura hippie, y la psicodélia era su mejor canal de expresión.
Por aquellos días de mitad de década del 60', el escritor Ken Keysey, autor de la novela "One Flew Over The Cuckoo's Nest" (Atrapado Sin Salida) que luego fuera llevada al cine, realizaba junto a sus compinches "The Merry Pranksters" (Los Bromistas Alegres), los llamados Acid Test. Se trataban de fiestas psicodélicas organizadas en San Francisco, que se centraban en la experimentación con el LSD. Estas pruebas de ácido tenían su banda de sonido en los Gratefud Dead, que participaban activamente como banda residente, poniéndole música con sus improvisaciones a la experiencia. En ese momento, en los Estados Unidos no existía ninguna ley en contra del uso del LSD. Recién el 6 de Octubre de 1966 sería declarado ilegal en el estado de California.

A bordo de un colorido autobús al que apodaron "Further" (El Más Allá....") recorrieron el país reviviendo y dando a conocer los "Trips Festivals".
Los miembros originales con los que comenzaron a rodar en este viaje musical y lisérgico que dejaron una huella profunda en la contracultura norteamericana fueron, Jerry García (guitarra, banjo, voz y líder indiscutible), Bob Weir (guitarra rítmica y voz), Ron "Pigpen" McKernan (teclados, órgano, armónica, voz), Phil Lesh (bajo y voz) y Bill Kreutzmann (batería). En 1967 se les uniría Mickey Hart en la batería (hijo del representante de la banda, Lenny Hart), conformando con Bill Kreutzmann un sólido y creativo támden. No era común una banda de rock & roll con dos baterías, los Grateful Dead lo impusieron. Las letras recaían fundamentalmente en los poetas Robert Hunter y John Perry Barlow, considerados parte del nucleo de la banda. Su música era una paleta compuesta por varios matices. Sus influencias eran diversas (el blues, el bluegrass, el folk, el country, la música clásica, el jazz y el rock & roll más tradicional) que componían un todo en el que se podía vislumbrar cada elemento por separado, pero cuya combinación cobraba una coloratura especial que los hizo diferentes en su época. La psicodélia era el formato perfecto para su música y ellos lo llevaron a lo más alto.
Era una opinión generalizada que su sonido no podía ser plasmado en toda su expresión en un estudio de grabación. Los Dead eran una banda libre, sin límites ni ataduras en su expresión sonora, y que cobraba verdadero vuelo en sus performances en vivo, donde se elevaban a niveles de alta experimentación, donde sus temas nunca sonaban igual. Los Gradeful Dead se sentían vivos y brillaban cuando tocaban en vivo. Los eventos en parques y lugares al aire libre eran su hábitat natural. Sus largos, variados y bellos "viajes musicales" casi espaciales, hicieron popular el concepto de jam sessions. Fueron la "Gran Jamband" por excelencia. Sus giras fueron emblemáticas, y sus fans un párrafo aparte....

Sus fieles seguidores se hicieron conocer como los "Deadheads" ("Los Cabezas Muertas"), sin dudas el público más devoto que jamás se haya conocido.... Imagínense aquí, en nuestras pampas, a las "hordas ricoteras" multiplicas por varios miles.... Bueno algo parecido en el sentimiento que una banda podía inspirar en sus seguidores.... pero.... muchiiiisimo más!! y con el agregado de "esa mística tan especial" que solo podían crear los Grateful Dead. Sus fans solían seguirlos a todas partes, sea el lugar que fuera, incluso por varios meses y hasta años.... Fomentaban el sentimiento de comunidad entre sus fieles a los que consideraban una "Gran Familia" y se comprometieron en la misma medida con sus seguidores, como así también con su comunidad. Se preocupaban por que "su gente" estuvieran bien provistos de comida, alojamiento, asistencia médica. Era común su participación en festivales benéficos. Ellos ayudaron a fomentar los ideales comunitarios y sociales de la cultura hippie. Todo lo que rodeaba sus recitales era una verdadera ceremonia con su atmósfera propia, algo que había "que sentir".... La banda permitía que se grabaran los conciertos siempre y cuando, no se los registrara con fines comerciales.
Durante 30 años entre 1965 y 1995 no pararon de girar (salvo el año casi sabático de 1975, en el que realizaron pocas presentaciones). Para ellos.... "Animales de ruta", girar era vivir.... Realizaron recitales memorables. Recordamos entre sus momentos cúlmines sus presentaciones en el Monterey Pop Festival de 1967, el legendario Woodstock Festival de 1969, el Summer Jam at Watkins Glen de 1973 (donde participaron junto a The Allman Brothers Band y The Band, en el que fuera su festival más multitudinario con casi 600.000 personas), las tres mágicas noches en las Pirámide de Giza de Egipto en 1979. Recorrieron todo los Estados Unidos, visitaron varias veces Canadá y Europa. Quedará el sabor amargo de su fallida presentación en el tristemente célebre Altamont Free Concert de 1969. Ese evento será recordado por el asesinato de una persona del público en manos de un integrante de los Hells Angels, encargados de la seguridad y que habían sido recomendados por los mismos Dead, con los que ya habían trabajado en varias oportunidades cuidando de sus conciertos. Los Grateful Dead decidieron suspender su presentación luego de presenciar la violencia reinante generada por los Angeles del Infierno, poco antes del desgraciado suceso.
Era muy común que varios de sus canciones se tocaran primero en sus shows antes de ser registradas en estudio. Eran famosos sus sets de música continua con largos pasajes de improvisación, en los que una canción se mezclaba con otra, dándole una estructura y un sentido global a su música. En ellos los músicos daban rienda libre a sus inspiración, la guitarra de Jerry García cobraba estatura épica. En sus recitales llegaron a aplicar su propio sistema de sonido,"Wall of Sound" (Muro de Sonido), con el que llegaron a conseguir un sonido cuadrafónico, diseñado especialmente por su ingeniero de sonido Owsley "Bear" Stanley. De esta manera la banda podía escuchar lo mismo que escuchaba la audiencia. Quizás pueda sintetizarse el sonido de los Grateful Dead en vivo en el tema "Dark Star", registrado en el sencillo de 1968 y luego en vivo en el álbum "Live/Dead" de 1969.

Debutaron en estudio en 1967 con el álbum que llevaba su mismo nombre "Grateful Dead", le siguieron "Anthem Of The Sun" en 1968 y "Aoxomoxoa" en 1969. Sus primeros discos de estudio no fueron éxitos comerciales, su sonido parecía encontrarse limitado y  no lograba fluir, tal como si lo hacían en sus shows. A García y sus amigos.... jamás les gustaron los envases.... Su disco en vivo "Live/Dead" de 1969 recién pudo capturar esa mística. Con sus álbumes de 1970  "Workingman's Dead" y "American Beauty" pudieron recibir cierta palmada en la espalda en el sentido comercial. Luego de la partida de Mickey Hart, debido a las diferencias que su padre mantuvo con el resto de la banda, vinieron un par de discos en directo, el doble "The Grateful Dead" de 1971 (también conocido como "Skull and Roses") y el triple "Europe '72" obviamente de 1972, que los fans recibieron con mucha euforia. Ese mismo año también se alejaría del grupo "Pigpen" McKernan, siendo reemplazado en los teclados por Keith Godchaux. Keith no vendría solo, lo acompañaría su esposa Donna que se uniría en los coros. En 1973 tras una ingrata lucha contra el alcoholismo, la parca se llevaría puesto a "Pigpen" y con tan solo 27 años. Ese año sale a la luz "Wake Of The Flood", un disco que fue muy bien recibido por la crítica y que fue acompañada de una muy buena repercusión en las ventas. La buena aceptación prensa-público tiene su continuación en "Grateful Dead From The Mars Hotel" de 1974. En 1975 regresan los dos baterías a los Dead con la reincorporación de Mickey Hart y registran otro muy buen trabajo, "Blues For Allah". En 1976 sale un nuevo álbum doble en vivo, "Steal Your Face". Recién en 1977 regresan al estudio con "Terrapin Station". Un año después registrarían "Shakedown Street". En 1979 Keith y Donna Godchaux abandonan la banda para crear su propio proyecto, "The Heart of Gold Band". En 1980 los Dead estrenan un nuevo tecladista, el alemán Brent Mydland y graban "Go To Heaven". Ese mismo año Keith Godchaux pierde la vida en un accidente automovilístico. En 1981 editan dos nuevos álbumes doble en vivo, "Reckoning" y "Dead Set".

Los siguientes años los encontraría con proyectos solistas (Jerry García Band, Bobby & The Midnites, The Rhythm Devils) y lejos de los estudios, aunque continuarían girando con sus shows en vivo.
Esta década comienza a cobrarle factura a Jerry García, que lucha contra su adicción a la heroína.
En Julio de 1986 la guadaña le da un primer aviso, cuando sufre un coma diabético que lo deja 24 hs inconciente. En 1987 luego de sobreponerse, Jerry y la banda vuelven al estudio con "In The Dark", que los sorprende con un inesperado éxito con el single "Touch of Grey", el tema mejor rankeado de su carrera y de permanente rotación en las FM's. Gracias a este trabajo, son redescubiertos por un nuevo público, que son observados con recelo por los viejos "Deadheads"
En 1987 se produce la unión de Bob Dylan y los Gratefuld Dead, emprendiendo juntos una gira de estadios por los Estados Unidos. El documento de esos memorables encuentros, se resume en el material compuesto de siete canciones editado en 1989 bajo el nombre de "Dylan & The Dead".

En 1989 registran su último álbum de estudio, "Built To Last", trabajo que se encuentra lejos de sus mejores producciones.
En 1990 la desgracia vuelve a golpear la puerta de la familia Dead, Brent Mydland, muere de sobredosis en su casa de California. Nuevamente un tecladista.... y ya son tres los que partieron, como si se tratará de una verdadera maldición.... Ese año se edita el álbum en vivo "Without Net", dedicado a la memoria de Brent y en el que se puede apreciar una de sus últimas participaciones. Inmediatamente el puesto fue ocupado por el tecladista de The Tubes, Vince Welnick.
La banda siguió girando, aunque ya no habría discos de estudio. Por aquellos años, también solía colaborar en sus presentaciones en vivo, el popular pianista Bruce Hornsby (Bruce Horsnby & The Range).

El 9 de Agosto de 1995, luego de tanto batallar contra su adicción y mientras estaba tratándose en un centro de rehabilitación, fallece de un ataque al corazón a los 53 años "El Gran" Jerry García. Fue un golpe mortal para el resto de la banda y la familia Deadheads. No pudiendo reponerse, deciden poner fin a la banda, por lo menos como tal se la conoce....
Siguieron su carrera en solitario y con nuevos proyectos:  Bob Weir con The RatDogs, Phil Lesh con Phil Lesh & The Friends, Bill Kreutzmann con Backbone, Michael Hart se lució en una importante carrera solista.
En 1998 Bob Weir, Phil Lesh, Michael Hart y Bruce Hornsby se reúnen para una gira de la "Furthur Festival" bajo el nombre de The Other Ones, manteniendo viva la mística de los Dead. La gira quedó registrada en el  álbum en vivo "The Strange Remain" editado en 1999. En el 2000 se les une Kreutzmann llegando a conformar lo más cercano a los Gratefuld Dead que podía existir en tierra.... En 2003 directamente deciden rebautizarse como The Dead, pero con algunos cambios en los músicos que los acompañaban.
La banda continuó tocando por los Estados Unidos bajo ese nombre, siendo su gira más reciente la realizada en el 2009, mientras miles de Deadheads cerraban los ojos y creían sentir la guitarra cósmica de Jerry que los transportaban a esos entrañables viajes interestelares que tanto añoramos....
Por estos días Bob Weir y Phil Lesh se encuentran tocando bajo el nombre de "Furthur".

El espíritu de los Grateful Dead cambia de forma, se reinventa, pero aún así, permanece bien incrustado en el corazón americano. Los Grateful Dead es algo que se lleva adentro.... Dirían en las tribunas...
Ser un Deadheads es algo que se vive, se siente, se respira, es sencillamente una experiencia.... Algo que trasciende la música.... es un estilo de vida. Conocen muchas bandas que puedan concretar algo semejante??...

Amigos, que les parece si nos pegamos un largo viaje.... que nos lleve directo al corazón de la increíble música de esta mítica y fundamental banda.
Así son los Grateful Dead !! Tómalo o déjalo....

"The Golden Road" de su primer álbum "Grateful Dead" de 1967.

"Morning Drew" de su primer álbum "Grateful Dead" de 1967.

"Dark Star" del álbum en vivo "Live/Dead" de 1969.

"Casey Jones" del álbum "Workingman's Dead" de 1970.

"Dire Wolf" del álbum "Workingman's Dead" de 1970.

"Uncle John’s Band" del álbum "Workingman's Dead" de 1970.

"Ripple" del álbum "American Beauty" de 1970.

"Truckin'" del álbum "American Beauty" de 1970.

"Bertha" del álbum en vivo "Grateful Dead" de 1971.

"Wharf Rat" del álbum en vivo "Grateful Dead" de 1971.

"Jack Straw" del álbum en vivo "Europe 72'" de 1972.

"Ramble On Rose" del álbum en vivo "Europe 72'" de 1972.

"China Cat Sunflower" del álbum en vivo "Europe 72'" de 1972.

"Tennessee Jed" del álbum en vivo "Europe 72'" de 1972.

"Eyes Of The World" del álbum "Wake Of The Flood" de 1973.

"Franklin's Tower" del álbum "Blues For Allah" de 1975.

"Terrapin Station" del álbum "Terrapin Station" de 1977.

"Shakedown Street" del álbum "Terrapin Station" de 1977.

"Althea" del álbum "Go To Heaven" de 1980.

"Bird Song" del álbum en vivo "Reckoning" de 1981.

"Touch Of Grey" del álbum "In The Dark" de 1987.

"Built To Last" del álbum "Built To Last" de 1980.

Gram Parsons - El jinete cósmico del desierto....

Otro artista, otra historia, otra huella.... Gram Parsons se suma a nuestra galería de  personajes inolvidables que fijaron una ruta, que sacudieron la modorra de nuestros adormecidos espíritus. Un símbolo de época del que hoy muchos hablan.... más de lo que realmente han escucharon de él. Su legado musical representado en el sonido creado y en los artistas que  ha influenciado son su voz inapagable, testigos de su pasar por esta vida....

Nacido en "cuna de oro" el 5 de noviembre de 1946 en Winter Haven, Florida - Estados Unidos, con el imponente nombre de Ingram Cecil Connor III. Nieto de un magnate de la industria cítrica del estado de Florida. Si bien el dinero no era un problema en su familia, su infancia fue bastante tortuosa. Con tan solo doce años tuvo que vivir la tragedia familiar con el suicidio de su padre, héroe de la aviación en la Segunda Guerra Mundial, y que sufría de desórdenes del carácter. Poco después, su madre se casó con Robert Parsons, imponiéndole a él y a su hermana su apellido. La relación con su padrastro fue complicada, ya que se trataba del típico pícaro que vislumbró en la fortuna familiar su oportunidad de vida. A medida que su vida familiar se desintegraba, su madre se sumergiría cada vez más en el alcoholismo. Seis años después, fallece víctima de una letal cirrosis, el  mismo día que Gram celebraba su graduación. De pequeño recibió una buena educación musical, estudiando guitarra y piano. Su amor por la música fue su principal sostén para poder sobrellevar sus carencias afectivas. Creció escuchando especialmente a Elvis Presley y a distintos héroes de la música country y folk americanos (Hank Williams, Johnny Cash, Woody Guthrie). Tuvo en The Pacers  y The Legends sus primeros grupos escolares con los que tocaba clásicos del rock & roll. A los 17 años se embarcaría en la música folk con The Shilos, su primer grupo profesional, con los que grabaría algunos demos y tocaría en distintos clubes, propiedad de la familia. Tras su graduación y luego de la muerte de su madre, decide ingresar a la Universidad de Harvard para estudiar teología. Su vocación académica duraría tan solo seis meses. Durante su estadía en Massachusetts y luego de quedar impresionado tras escuchar en vivo a la leyenda country Merle Haggard, comienza a tomar en serio su gusto por la música y procura vincularse con músicos de la escena folk de Boston.

Así fue que en 1966 funda junto al guitarrista John Nuese, The International Submarine Band, con los que se traslada primero a New York, donde pulen su estilo, para luego desembarcar en Los Angeles. Allí entre Julio y Diciembre de 1967 graban por el sello LHI, propiedad de Lee Hazlewood, su primer y único álbum "Safe At Home". Se dice que este álbum dio origen al nacimiento del Country Rock, aunque Gram Parsons prefería hablar "Cosmic American Music". Respaldado por su tranquilidad económica, podía darse el lujo de tocar la música que deseaba sin caer en restricciones. Este primer trabajo nos muestra la génesis del género. Parsons supo plasmar en él, todas sus influencias, pudiendo unir aquel sonido country conservador, que era considerado un sonido escuchado mayoritariamente por la gente adulta, con el vertiginoso y desprejuiciado pulso vertido por el rock. Este primer y único trabajo nos presentan cuatro composiciones originales del propio Parsons, junto a otras versiones de artistas clásicos del country y el rock & roll que influenciaron su adolescencia (Johnny Cash, Merle Haggard, Arthur Crudup, Jack Clement). Se destacan "Blue Eyes", “Luxury Liner" y "A Satisfied Mind".  Cuando el disco sale a la luz un par de meses después en 1968, Parsons ya había dejado la banda para unirse a The Byrds.

Si bien la ISB no era un éxito en ventas, su renovador sonido había llegado a oídos de The Byrds, que  luego de registrar trabajos más influenciados por el sonido psicodélico reinante, buscaban indagar en las sonoridades y estructuras más tradicionales de la cultura americana. El lugar de David Crosby, separado de la banda, había quedado vacante. Michael Clarke se había alejado por su propia cuenta. The Byrds necesitaba reinventarse. Al tanto de su enorme talento, Gram Parsons es contactado por el bajista de los Byrds, Chris Hillman, que persuade a  Roger McGuinn para que sea incorporado a la banda.  Enseguida se ve reflejado la influencia de Parsons en la histórica banda. Su inconfundible sello country rock, se ve evidenciado en el imprescindible "Sweetheart of the Rodeo", editado en Agosto de 1968.  El disco estaba impregnado del estilo Parsons, corporizados en el sonido del banjo, la mandolina, el steel guitar y el fiddle. En la edición original, gran parte de los temas eran cantados por Parsons, pero los conflictos legales entre su sello anterior, LHI y CBS, hicieron que tuvieran que regrabarse sus voces, quedando estas a cargo de Roger McGuinn. En el futuro se editaría la versión del disco con los cortes originales. Más allá de su impronta, Parsons aportaría dos composiciones propias "Hickory Wind" y "One Hundre Years from Now". Este fundamental disco nos deja perlas como la increíble versión del tema de Dylan "You Ain't Going Nowhere", "Pretty Boy Floyd" de Woody Guthrie y el tradicional "I am a Pilgrim", entre otros.

Al poco tiempo, luego de unas presentaciones por Europa, se bajaría de los Byrds por diferencias ideológicas, al negarse a participar  de unos conciertos en una Sudáfrica dominada por el “Apartheid”.
En esos días europeos comienza a relacionarse con Keith Richards y Mick Jagger. La amistad con Richard se profundiza, convirtiéndose en almas inseparables, a tal punto que logran provocar los celos del propio Jagger. Solían pasar mucho tiempo juntos.... noches regadas de música, drogas y mucho alcohol. Disfrutaban del "colgarse" observando la inmensidad del cielo en el desierto de Mojave, en el Joshua Tree National Park, con la esperanza de poder avistar ovnis. La simbiosis entre ellos quedó claramente establecida. Los días de Gram se tiñeron del estilo de vida stone. A su vez, este influenció marcadamente a Richards y por consecuencia a The Rolling Stones en el plano musical, incorporando aires de country rock a sus composiciones. Esto se evidencia en los discos "Let it Bleed" (1969), "Sticky Fingers" (1971) y "Exile on Main St." (1972). Inclusive llegó a decirse que la canción "Country Honk", versión reinventada del sencillo "Honky Tonk Women", era un regalo de Parsons a su amigo de correrías. Otro mito nunca confirmado, habla de su participación en los coros del álbum "Exile on Main St.". Lo concreto e innegable, es que este crucial período stone, estuvo profundamente  impregnado  del  perfume de Gram Parsons a lo largo de sus melodías.

Parsons regresa a Los Angeles y se reencuentra con Chris Hillman, que había abandonado a The Byrds. Juntos deciden llevan el sonido country rock a lo más alto del género y crean la mítica The Flying Burrito Brothers. La banda se conformaría con Gram Parsons (guitarras, piano y voz),  Chris Hillman (guitarra, mandolina y voz), "Sneaky" Pete Kleinow (pedal steel guitar), Chris Ethirdge (bajo, piano). En sus primeras grabaciones no tendrían un baterista fijo. En Marzo de 1969 editan su primer álbum "The Gilded Palace of Sin", disco referencial del género y de escucha obligada para todo muchacho con ganas de calzarse las botas de cowboy.... aunque jamás fue un éxito en ventas. Con el tiempo.... sería un trabajo muy reconocido en el que destacamos clásicos como "Christine's Tune", "Sin City", "Wheels" y "Juanita". Hubieran existido los californianos Eagles, si no hubieran escuchado este disco?.... Su amistad con Richard y compañía les sirvió para que fueran contratados para participar del tristemente célebre Altamont Speedway Free Concert, realizado el 6  Diciembre de 1969, junto a The Rolling Stones, CSNY, Santana, Jefferson Airplane y Grateful Dead. En Abril de 1970 lanzan "Burrito Deluxe", en el que otro ex Byrds, Michael Clarke se les une como baterista oficial. Tras la deserción de Ethirdge, se incorpora Bernie Leadon en la guitarra, asumiendo Chris Hillman el mando del bajo. Si bien es un muy buen disco, que profundiza el sonido de la llamada "Cosmic American Music", se nota a un Gram Parsons más disperso y menos compenetrado con la banda.... quizás más preocupado en pasar mayor tiempo con su amigo Richard. Quedarían grandes temas como  "Lazy Days", "Man in the Fog", "Older Guys" y la primera grabación del clásico stone "Wild Horses" (grabada posteriormente en "Sticky Fingers"), canción prestada por Jagger y Richards, quizás como parte de algún tipo de devolución?.... La desordenada presencia de Parsons en la banda culminaría con su expulsión.... La banda continuaría adelante, aunque eso sí, extrañándolo  demasiado....

Parsons intentó iniciar su carrera en solitario, pero su vocación por los excesos y sus adicciones le impedían poder encarar responsablemente su carrera. Durante 1971 pasaría gran tiempo dando unas vueltas por la casa alquilada de Keith Richards en el sur de Francia, acompañando a los Rolling Stones en el proceso de grabación de "Exile on Main St.". Por esos días contrae matrimonio con la actriz Gretchen Burrel, con la que luego  se refugiaría por un tiempo en Londres.
A mediados de 1972 y  en el medio de su crisis personal, consigue firmar un contrato para grabar su ansiado álbum solista. Poco antes Chris Hillman le había presentado alguien que sería fundamental para su renacer musical, una joven que cantaba country como los ángeles, Emmylou Harris. Juntos formarían una sociedad, cuya imcreíble química será recordada por siempre.
En 1973 edita "GP", su gran debut solista, que el mismo produce con la ayuda de Rick Grech, tras el rechazo del legendario Merle Haggard. Lo acompaña Emmylou Harris en las voces, junto a músicos experimentados como el guitarrista James Burton, el pianista Glen D. Hardin, (ambos de la banda de  Elvis Presley), el guitarrista Barry Tashian (ex líder de The Remains), Al Perkins en el pedal steel, el mismo Rick Grech en el bajo (Family, Blind Faith, Traffic), John Guerin en batería, entre otros. El álbum pasaría desapercibido comercialmente, pero el tiempo le daría su status de clásico, gracias a grandes temas como "A Song for You", "That´s All It Took", "Big Mouth Blues" y la maravillosa "She". Junto a su banda The Fallen Angels girará por los Estados Unidos, presentado su extraordinario trabajo. Con el tiempo se editaría un disco en directo con material de aquellas presentaciones, "Live 1973". Ese mismo año grabaría su segundo álbum "Grievous Angel", editado póstumamente en 1974. Nuevamente Emmylou Harris volvería a acompañarlo en las voces, repitiendo el hechizo que se produce cada vez que se fusionan sus voces. Gran parte de los músicos que participaron de su producción anterior estarán presentes en este nuevo trabajo, James Burton, Glen D. Hardin, Al Perkins, más el agregado de una nueva base rítmica, Emory Gordy en bajo y Ronnie Tutt en batería (ambos formaban parte junto a Burton y Hardin de la TCB Band que acompañaba en ese momento a Elvis Presley). También colaboraron el ex Burrito y actual Eagles, Bernie Leadon y la cantante Linda Ronstadt. Una igual temática, historias tristes y de perdedores encierran este álbum. Nos encanta escuchar de este disco, temas bien arriba como "I Can't Dance" y "Ooh Ooh Las Vegas", o las exquisitas baladas "Hearts on Fire", "Brass Buttons" y "Love Hurts", su canción mas recordada y que puso a Emmylou en el firmamento.

Un 19 de septiembre de 1973, antes de que se edite este disco, en unos de esos viajes místicos y alucinógenos por el desierto, aparece muerto en la habitación ocho del hotel Joshua Tree Inn. Una mortal mezcla de heroína, morfina y tequila daba fin a sus días. Su amigo y manager Phil Kaufman sabía de su último deseo....

Su padrastro quería convertirse en su principal heredero, y había organizado todo para trasladar sus restos a Nueva Orleans. Algo impensado ocurrió.... Kaufman recordó lo que su amigo le había dicho en una noche de alcohol, contándole que el día que le tocase partir, deseaba que sus cenizas se esparcieran por el desierto de Joshua Tree. Fiel  a su hermano de sangre y con la complicidad de otro "amigote", Michael Martin, alquilaron un coche fúnebre e interceptaron, por no decir robaron.... el féretro de Parsons. En una carrera loca contra el tiempo, la policía, la viuda y el padrastro, se dirigieron al desierto de Joshua Tree, para poder rendirle el digno homenaje, según la voluntad de su amigo. El ataúd fue rociado por cinco galones de gasolina, para ser luego inmortalizado por el fuego purificador. Finalmente su familia pudo rescatar algo de lo que había quedado de sus restos, para darle destino final en Nueva Orleans, donde hoy en parte.... descansa. Kaufman y su amigo fueron detenidos, pero en ese momento, robar un cadáver no era un delito, por lo que solo se lo inculpó de robar un ataúd, siendo condenado tan solo,  a pagar una multa de 750 dólares. Kaufman hizo efectivo el pago con lo recaudado en un concierto homenaje a Parsons, bautizado como “Phil Kaufman’s Koffin Kaper Koncert” (Concierto de la Travesura del Ataúd de Phil Kaufman). Final de película !!!....

En 1976 se editaría un nuevo material póstumo, "Sleepless Nights" con distintas canciones desechadas de trabajos anteriores, tanto en su etapa con The Flying Burritos Brothers como solista, entre ellas una versión de Honky Tonk Women.

La historia detrás de su muerte, hizo quizás.... que su música cobrara mayor notoriedad,  pero solamente para los que no estaban al tanto de su talento o los que no duermen con las botas puestas....
Gram Parsons hoy es una leyenda, su pasar dejó una profunda huella en la música americana e inspiró a bandas y artistas de distintas generaciones, que van desde sus contemporaneos Eagles o  The Allman Brothers Band,  pasando por los Cowboy Junkies, hasta artistas de estos tiempos como Wilco o Allison Krauss.

Si bien, no hay mucho material en vivo de sus actuaciones, pudimos recuperar algunas pocas presentaciones, completadas con imágenes editadas con su música, que nos dejará una caricia en nuestro maltrecho corazón americano....
Cantinero.... otro tequila por favor.... O mi dinero no vale....

International Submarine Band - "Luxury Liner" del álbum "Safe At Home" (1968).

International Submarine Band - "A Satisfied Mind" del álbum "Safe At Home" (1968).

International Submarine Band - "Do You Know How It Feels To Be Lonesome?" del álbum "Safe At Home" (1968).

The Flying Burrito Brothers - "Christine's Tune" del álbum "The Gilded Palace Of Sin" (1969).

The Flying Burrito Brothers - "Juanita" del álbum "The Gilded Palace Of Sin" (1969).

The Flying Burrito Brothers - "Sin City" del álbum "The Gilded Palace Of Sin" (1969).

The Flying Burrito Brothers - "Wheels" del álbum "The Gilded Palace Of Sin" (1969).

The Flying Burrito Brothers - "Older Guys" del álbum "Burrito DeLuxe" (1970).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "Big Mouth Blues" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "Streets Of Baltimore" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "The New Soft Shoe" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "A Song For You" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "That's All It Took" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons - "She" del álbum "GP" (1973).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "In My Hour Of Darkness" del álbum "Grievous Angel" (1974).

Gram Parsons - "Brass Buttons" del álbum "Grievous Angel" (1974).

Gram Parsons & Emmylou Harris - "Love Hurts" del álbum "Grievous Angel" (1974).