sábado, 30 de abril de 2011

Marc Bolan - Tyrannosaurus Super Star

Toda estrella tiene su ciclo de vida.... su brillo encandila hasta que algún día, inevitablemente se desvanece. Algo parecido, podríamos decir que ocurrió con el Tyrannosaurus Rex, terrible depredador que gobernó la tierra en el período Cretácico, donde fue el verdadero rey hasta que en algún momento, algo pasó.... Mar Bolan se ajusta perfectamente a estos dos ejemplos. Fue un Tyrannosaurus único en su especie que nació para ser estrella. Brilló y brilló.... pero esta claro que nada es para siempre.... un día su luz comenzó a apagarse y su final antes de tiempo, fue inesperado y abrupto. Aún así dejó una inmortal estela que atestigua su crucial paso por el firmamento del rock y que alumbró el camino de más de una generación. Sin dudas uno de mis favoritos.... se me hace agua la boca, no puedo esperar más por contarles sobre este inmenso artista que le puso como nadie ese "touch distinto" a este movimiento que tanto nos apasiona.
Amigos.... Todos los reflectores para él. Daremos el merecido homenaje a Marc Bolan, el verdadero último Tyrannosaurus que pisó nuestra maldita tierra....


Mark Feld nació un 30 de Septiembre de 1947 en el laborioso suburbio de Hackney, al este de Londres. Se crió en el seno de una familia humilde y trabajadora, que como a muchos, nada le sobraba. De niño comenzó a sentir tanta atracción por la música, que a los nueve años su padre le compró su primera guitarra. Mientras se transformaba en un apasionado por el rock clásico de artistas como Bill Halley, Gene Vincent y Eddie Cochran, su colección de vinilos comenzaba a crecer de a pilas en su habitación. A los doce años comenzó a formar sus primeras bandas juveniles.
Su comportamiento en la escuela dejaba  bastante que desear, cuentan las malas lenguas que era bastante pendenciero.... Pronto se daría cuenta que los estudios no eran lo suyo. Su expulsión ayudaría a volcarse a su creciente amor por la música.... pero el joven Mark tenía tanta atracción por la música como por las cámaras....
Sabido dueño de una imagen eclipsante, y para ganarse algunos mangos, comenzó a alternar trabajos como modelo publicitario y actor. Empezó a aparecer en pequeños papeles adolescentes de algunos programas televisivos de la época. Su pasión por el Rock & Roll lo llevó a dedicarse con mayor ahínco a desarrollar sus composiciones en la guitarra. Jamás fue un virtuoso pero su estilo era muy melodioso y tenía un gran sentido rítmico. La literatura fantástica y los grandes poetas románticos de la Inglaterra del siglo XIX lo cautivaban, Oscar Wilde, uno de sus preferidos. Sus primeras letras serias se empaparían de ese aire medieval y tolkineano de sus lecturas. Luego de  vagar durante unos meses por Francia siguiendo a un mago y a su regreso a Inglaterra, comenzó a preparar material para presentar en algunas discográficas, primero bajo el nombre artístico de Toby Tyler y luego como Mark Bowand. Una de esas composiciones, "The Wizard", captó el interés del sello Decca que lo editó bajo ese seudónimo.
Eran los finales de 1965, por aquellos días el folk comenzaba a electrificarse y la influencia de Dylan impactaría muy fuerte en él como en tantos jóvenes. Esto no solo se reflejaría en su música sino también, en la adopción de su definitivo nombre, que saldría de  la  contracción del nombre de su ídolo (Bo-Lan). Así Mark Feld se transformaría en quién conoceríamos definitivamente como Mark Bolan.


En 1966 lograría editar su segundo single "The Third Degree" por el sello Decca y posteriormente "Hippy Gumbo" por Parlophone. Ambos no tendrían demasiada trascendencia, pero le serviría de plataforma para mostrarse. Pronto se contactaría con el manager y productor Simon Napier-Bell que lo invitaría a unírseles a sus representados, los psicodélicos y mod, John's Children. En 1967 ya como guitarrista de la banda, compondría y editaría por el sello Track, los sencillos "Desdemona", "Midsummer Night's Scene", "Sara Crazy Child" y "Go Go Girl". Su paso por la banda sería fugaz, ya que descontento con su sonido, se abrió paso en una nueva búsqueda.
De inmediato se dedicó a armar una banda capaz de plasmar sus propias ideas musicales, y puso anuncios en los periódicos. Uno de los que llegó con el diario bajo el brazo fue el percusionista Steve Turner, pronto se rebautizaría como Steve Peregrin Took, tomando el nombre prestado al hobbit de "El Señor de Los Anillos" de J.R.R. Tolkien. No fue el único que acudió a su llamado, pero luego de probar con distintos músicos, el concepto original de banda finalmente transmutó en dúo acústico. Nacía Tyrannosaurus Rex.
La grandilocuencia de semejante nombre contrastaba con la simplicidad de su música. Su propuesta se basaba en un sonido psico-folk melodioso plagado de ragas de guitarras acústicas acompañado tan solo por un bongo. Si bien los temas eran simples, tal formato se prestaba  a un juego de improvisación que los hacía distintos, donde a la particular voz de Bolan se le sumaba los coros y juegos vocales de Took, creando así un clima único. Las letras remitían a ese mundo fantasioso y mitológico de sus lecturas, compartidas con el mismo Took. La química del dúo y la novedosa propuesta llamó la atención del público más intelectual de Londres, más abierto a la movida hippie que venía del "nuevo mundo", más precisamente de San Francisco. La nueva propuesta comenzó a circular en el circuito underground londinense. Los primeros murmullos llegarían a oídos del popular disc-jokey John Peel, que lo hizo uno de sus favoritos, dándoles un gran espaldarazo en su programa radial de la BBC y haciéndoles habitúes de sus "Peel Sesions". Pronto el productor Tony Visconti posaría los ojos sobre ellos. En una de esas mágicas noches del UFO londinense, el dúo se presentaba como la nueva atracción y Visconti, rápido de reflejos fue a verlos. Casi una cita a ciegas, ya que había escuchado hablar algo de ellos, pero a ciencias ciertas no sabía demasiado de que se trataba. Era una época donde los caza-talentos se agolpaban en los clubes buscando descubrir "la gran cosa nueva", y el UFO estaba en la vanguardia del Londres de aquellos días. El productor quedó prendado por el talento de Bolan, y enseguida (no sea cuestión que se le anticiparan....) los fichó para el sello Essex Music, subsidiaria de EMI. En Abril de 1968 saldría a la luz "Debora", su primer simple que llegaría al puesto treinta y cuatro de los charts británicos. 
En Julio de ese año debutarían con su primer álbum que llevaría  el módico título de.... "My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows". (Perdón como era.... My People.... queeee???). Okey, quedamos así.... el primer disco de los Tyrannosaurus Rex !!!.


Este primer trabajo plagado de bellas y simples melodías pastoriles, nos remite a un sonido que nos recuerda a la Incredible String Band, aunque mucho más accesible. Se destacan grandes canciones como "Hot Rod Mama", "Scenescof", "Child Star", "Mustang Ford", "Knight" y "Frowning Atahualpa (My Inca Love)". Guitarra acústica y bongo, puro folk y psicodelia !!. El disco fue muy bien recibido por la prensa y el público, llegando al puesto quince del chart británico.
En Octubre de ese mismo año editarían "Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages" (un poquitín mas corto....) continuando con la misma línea psico-folkie, donde nuevamente se percibía esa suave brisa Tolkiniana. Sobresalen temas como "Deboraarobed", "Stacey Grove", "Wind Quatets", "Aznageel The Mage", Salamanda Palaganda" y "The Travelling Tragition". Este trabajo no tuvo la acogida que su predecesor, pero de todas formas el público y su reputación seguían creciendo.
 En Mayo de 1969 llegaría la consagración con su tercer y mejor trabajo, "Unicorn", que se ubicaría directamente en el puesto doce de las listas británicas. Más bellas canciones brotan del corazón de este tierno Tyrannosaurus.... Podemos apreciar hermosas perlas como "The Throat of Winter", "Catblack (The Wizard's Hat)", "She Was Born to be my Unicorn" (su canción más bella a mi entender), "Evenings of Damask", "Iscariot", "The Pilgrim's Tale".
En este trabajo comienza a incorporar otros instrumentos como batería, pianos, órganos, vientos, pero dosificados de manera tal que no perdieran su esencia acústica.
Acompañarían este álbum con la edición de un sencillo en el que por primera vez incorporarían una guitarra eléctrica "King of the Rumbling Spires".
Con tres respetados trabajos y la muy buena recepción en Reino Unido, llegaría el momento de probar suerte del "otro lado del charco". Su gira por los Estados Unidos no tuvo los resultados esperados, prácticamente pasaron desapercibidos por el público norteamericano, víctimas de  la mala planificación y de una escasa promoción. Este duro golpe tuvo su fuerte impacto en el dúo, en la que las relaciones personales ya se encontraban en un punto tenso. La  forma de vida de ambos eran  bastantes disímiles, mientras Marc llevaba una apacible vida junto a su novia June y comenzaba a visualizar su sueños de estrella, Took vivía en un clima de permanente confrontación, incluso vinculándose con grupos de ideas anarquistas (en realidad, un incomprendido idealista). El concepto comercial que parecía inevitable, no entraba en los planes de Took. La negativa de Bolan de incorporar sus letras, aumentó su sentimiento de abandono creativo y precipitó su alejamiento. Steve Peregrin Took dejó de ser un Tyrannosaurus para dedicarse a otros proyectos personales más afines. Muy pronto sería reemplazado por el percusionista Mickey Finn.


El nuevo dúo debutaría en Marzo de 1970 con "A Beard of Stars". El sonido sería otro.... Took se llevaría en sus valijas todo el misticismo y la experimentación. Las guitarras eléctricas ganarían presencia y los riffs  gloriosos de Bolan se incorporarían a su sonido  habitual. El costado experimental va dando lugar a un sonido más pop y más cercano a las convenciones del rock, que sería el preanuncio de lo que vendría.... La era del Glitter venía asomando su nariz.... y lo atestiguan el sonido de canciones como "A Day Laye", "The Wooland Bop", "First Heart Mighty Dawnart", "By the Light of a Magical Moon", "A Beard of Stars", "Great Horse" y el salvaje "Elemental Child".
Este álbum fue el punto de inflexión en su música, parte de su público (amante de ese sonido  psico-folkie) no aceptó y menos acompañó el cambio, pero este fue el puntapié inicial para un nuevo sonido que dejaría huella durante el primer lustro de los dorados 70's.
Llegaría nuevamente una gira por los Estados Unidos con los mismos resultados adversos. Marc y June se casaron, y ella sería un gran sostén emocional para enfrentar este crucial momento de cambio.
La historia cuenta que Tony Visconti, cansado de escribir tan exuberante nombre, solía abreviar para enojo del propio Bolan, el nombre del dúo como "T. Rex" en toda documentación pertinente. Bolan entendiendo que estaba ante un verdadero giro en el rumbo de su música, asumió que posiblemente era un buen momento como para rebautizarse y aceptar tal abreviación.... que de alguna manera resumía una mayor simplicidad en su música.
En Octubre de 1970 debutarían bajo ese nombre y por el  sello Fly con el sencillo "Ride a White Swan", que se encumbraría directamente en el puesto dos del ranking inglés.
En Diciembre de ese año saldría a la luz "T. Rex", un trabajo de buena acogida por el público (puesto trece en los charts británicos), aunque con un resultado artístico bastante irregular. Si bien no quedaba casi nada de aquella música de sus comienzos, en la nueva temática podemos resaltar canciones como "Jewel", "Diamond Meadows", "Root of Star", "Beltane Walk", como así también el rescate de aquella primera canción que llamó tanto la atención en sus tiempos previos a John's Children, "The Wizard".
Con Bolan y Finn repartiéndose los instrumentos, la colaboración de su productor Tony Visconti en el piano, más el agregado de coros por parte de Howard Kaylan y Mark Volman, miembros de los Turtles, el dúo sonaba como una verdadera banda.... Entonces, porque no formar directamente una banda hecha y derecha?....
Inmediatamente convocaron al bajista Steve Currie y al baterista Bill Legend para reformular a T. Rex como un cuarteto. Bajo este nuevo aspecto editarían en Febrero de 1971 el single "Hot Love"  que fue su primer número uno en ventas en Inglaterra, manteniéndose así por seis semanas.
Poco después el cuarteto grabaría un álbum que haría historia, "Electric Warrior" lanzado en Septiembre de 1971. Con este disco podríamos decir que nació el Glam Rock, o por lo menos se evidenció....
Temas pegadizos, riffs machacantes, voces en falsetes, y un invitación permanente a mover el piecito.... Este disco tuvo todo lo necesario para sacar un pasaje directo al olimpo de los clásicos. No había puntos bajos, cada tema tenía lo suyo, constituyéndose en verdaderas joyas que sentaron la base del  movimiento conocido como Glam Rock: "Mambo Sun", "Cosmic Dancer", Jeepster", Monolith", "Girl", "The Motivator", "Rip Off" y el enorme "Get It On" (número uno en ventas en Inglaterra y puesto diez en las listas Billboard de los Estados Unidos, donde se lo rebautizó como "(Bang a Gong) Get It On". El álbum contó con la colaboración de Ian Mc Donald en saxo (que había tocado con King Crimson) y de Rick Wakeman en el piano de Get In On.
El álbum estuvo durante seis semanas en lo más alto de las preferencias inglesas, los norteamericanos observaban de reojo.... y comenzaban a tomar cuenta de ellos.


Cuenta la leyenda, que en camerinos y a la espera de una presentación para el mítico programa televisivo "Tops of The Pops", Bolan se colocó brillantina en los ojos, como un juego para descomprimir la tensa espera. Pero el "Vamos.... a escena !!!" hizo que saliera a grabar sin recordar que sus ojos brillaban más que  las marquesinas de Broadway.... Si se parecía a un arbolito de navidad!!!.... Al público le encantó y el estilo glitter, pronto comenzó a ser adoptado por parte del Show Business y obvio por su nueva legión de fanáticos seguidores.... El rock se volvía visual y espectacular, aunque no precisamente refinado....
Bolan había encontrado un recurso muy efectivo.  La propuesta parecía decir: "Saca tu parte ambigua de tu corazón.... solo por hoy". Soy, pero no soy.... quién soy?. En realidad, un simple juego de seducción.
Una cuidadosa puesta visual, mucha teatralidad, el juego de la ambiguedad sexual, el niño dulce que a veces se ponía rudo.... todo eso fue parte de un nuevo circo del que Marc Bolan era su principal predigistador. Nuevamente se volvieron a escuchar esos aullidos histéricos de jóvenes adolescentes que se habían ahogado en aquellos días de locura Beatles. Estábamos en presencia de un nuevo fenómeno. En Reino Unido había llegado una nueva fiebre, la "T-Réxtasys". En cada concierto las salas reventaban de gente, era el momento de T.Rex y Marc Bolan se convertía en una estrella consumada.
Con Inglaterra a sus pies, subió su apuesta y fundó su propio sello T. Rex Wax Co con los que grabaría su siguientes trabajos, que serían distribuidos por la EMI. Pero antes su viejo sello Fly no  dejaría escapar su último tiro y lanzaría el compilado "Bolan Boogie", que como era de esperar también rankeó en la cima.
Este álbum le tocó competir con su primer trabajo para su propio sello, "The Slider", editado en Julio de 1972. Nuevamente número uno en Gran Bretaña, y un para nada despreciable  puesto diecisiete en los Estados Unidos, tierra esquiva para él. En Europa el álbum se vendía como pan caliente a merced de sus dos caballitos de batalla, las canciones "Metal Guru" y "Telegram Sam", que como singles reventaban las bateas. Otras canciones que sostenían este disco "bastante pomposo" eran "Rock On", "Spaceball Ricochet", "Ballrooms of Mars", entre otros.


Como el Rey Midas, todo  lo que tocaba se convertiría en oro. Si faltaba algo como para aumentar  aún más la T.Rexmanía, era una película.... Bingo !!! Por aquellos días, había sembrado una gran amistad con Ringo Starr, que andaba con delirios de director de cine. Confeso fan de la banda, le propuso filmar una película sobre toda esta locura desatada, que en parte le hacía recordar viejos tiempos. El resultado fue "Born To Boggie" un documental basado en sus presentaciones en Wembley, con la participación del propio Ringo y Elton John, más la incorporación (en tierras de Monty Python) de algunos presuntamente graciosos pasos de comedia?.... que hicieron delirar solamente.... a sus fans.
Para cualquier mortal sobre la tierra sería difícil manejar semejante exposición, entonces porque no habría de serlo para el propio Bolan. La vida de super estrella comenzaba a ser una pesada carga, que solo se aliviaba con grandes cantidades de alcohol. Su esposa June, no pudo seguirle el tren. Tras su debacle matrimonial siguió adelante con su vida.... pero ya empezaba acusar un cansancio de todo "este gran circo".
Para entonces bandas como Slade, Sweet, Mott The Hoople, Roxy Music y solistas como Jobriath, Gary Glitter o el mismísimo Lou Reed de Transformer, tomaban prestada toda esa magnificencia cargada de zapatos de plataforma, plumas, galeras y purpurina. Pero había alguien de la misma factoría Visconti, que había sabido reinterpretar mejor que nadie ese universo glam creado por el Tyranosurio. La presencia de David Bowie era algo difícil de digerir para el ego de Bolan, ambos se admiraban demasiado. Bowie había podido llegar al corazón americano.... la tierra donde había nacido el Rock and Roll, un obstáculo que Marc Bolan nunca pudo superar. El trono glam estaba en juego.... el tiempo quizás injustamente, declararía un virtual vencedor.
Luego de la edición de los exitosos sencillos "20th Century Box" y "The Groover", la banda lanza en Marzo de 1973 el LP "Tanx", un álbum donde se escuchaba un Bolan más enojado, como queriendo escapar a la parafernalia creada por el mismo. Comienza a incorporar otras sonoridades, con elementos prestados del Soul (un paso antes del "Young American" de su "queridísimo" Bowie). Una etapa se va cerrando y su testamento queda reflejado en canciones como "Tenement Lady", "Mister Mister", "Brooken Hearted Blues", "Shock Rock", "Country Honey", "Electric Slim and the Factory Hen", "Born to Boogie" y "Left Hand Luke".
Una nueva gira por los Estados Unidos para respaldar este disco, le daría nuevamente la espalda. No había caso che !!!.
Su banda había incorporado coros soul a su música, y allí cobraría una importancia fundamental, no solo en el nuevo sonido, sino también en su vida personal una de sus coristas, la morena Gloria Jones. Pronto se convertiría en su novia y ayudaría a darle aire fresco y una nueva coloratura a su música, ayudando incluso en los nuevos arreglos vocales. A la banda también se le había sumado el guitarrista rítmico Jack Green, que le daba nueva posibilidades instrumentales al renovado sonido.
Nuevas inquietudes asomaban en su vida, por esos días estrenaba la pieza instrumental "Blackjack" bajo el seudónimo de Big Carrot y comenzaba a vincularse con otros artistas, realizando colaboraciones con La Electric Light Orchestra y Ike & Tina Turner.
El baterista Bill Legend abandonaría la agrupación, siendo reemplazado por Davy Lutton. Unos renovados T. Rex, pronto entrarían a estudios.


En Febrero de 1974 la banda editaría bajo el nombre de Marc Bolan & T. Rex, el álbum "Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow - A Creamed Cage in August". Volvían los títulos aparatosos y Marc Bolan cambiaba nuevamente de piel. Un muy buen álbum muy desestimado por la crítica, su público no se mostró muy convencido con el cambio, aunque el disco llegaría al puesto doce las listas británicas. Este nuevo trabajo se presenta cargado de orquestaciones y un cierto perfume impregnado de soul sobrevuela la nueva atmosfera tyranosauria (mientras tanto.... un andrógino David Bowie tomaba debida nota). En este trabajo sobresale especialmente los aportes vocales de su nueva musa, Gloria Jones. En lo particular este es un disco que me encanta!!!, donde se escucha un Bolan maduro y con ganas de escaparse de su jaula de oro. Citamos hermosas y trabajadas canciones como "Sound Pit", "Change", "Teenage Dream", "Carsmile Smith & The Old One", "You've Got to Jive to Stay Alive - Spanish Midnight", "Interstellar Soul" y "The Leopards Featuring Gardenia and The Mighty Slug".... Que Bah, un discazo !!!.
Un Marc Bolan que ya consumía cantidades importantes de cocaína, rompe su histórico vínculo con Tony Visconti, que se sumerge de lleno en el mundo Bowie. Este hecho y un  lógico desgaste personal  comienzan a anticipar una vertiginosa caída en picada en su popularidad. Su siguiente álbum "Bolan's Zip Gun" editado en febrero de 1975, tendría escasa recepción de parte del público y la poca atención de la critica. Este trabajo fue producido por el mismo Bolan y mientras Jack Green se bajaba de la banda, se incorporaba el tecladista Dino Dines. El disco continúa con línea de su anterior trabajo, plagado de arreglos vocales. Particularmente destaco canciones como  "Precious Stars", "Token of My Love", "Till Dawn" y "Golden Belt". Ya no existían los hits.
Las presentaciones cada vez eran menores, la prensa ya no hablaba tanto de él, las cámaras se apagaban.... Pero no todo eran malas, ese año nacería el hijo de Marc y Gloria.
En el medio de la confusión se bajaba del barco el percusionista Mickey Finn. Un Bolan excedido y navegando en el medio de la marea, registraría un nuevo álbum, "Futuristic Dragon" que saldría a la venta en Enero de 1976. Ni figuraría en las listas y pasaría totalmente desapercibido por público y prensa, al tiempo que un nuevo movimiento, el Punk Rock escupiría toda su bronca en las calles londineses. Ya no había lugar para las estrellas en la convulsionada Inglaterra de aquellos días....
En este trabajo se notaba especialmente un profundo bajón creativo. Canciones sobrecargadas, sonidos reiterativos evidencian a un Bolan que había perdido su brújula. En lo personal me cuesta mucho nombrar algún tema para destacar, pero si tengo que citar algunos, me quedo con "Chrome Sitar",  "Ride My Wheels" y  "Casual Agent" que todavía conservaban algo del espíritu de sus últimos trabajos.


Problemas fiscales lo apartaron por un tiempo de su tierra natal, encontrando refugio en Montecarlo. Tomó cierta distancia de la música  y comenzó a escribir en una columna semanal para  la revista musical "The Record Mirror".
Luego de un año, un renovado Marc Bolan parecía resurgir de sus cenizas con un saludable álbum que lo ponía nuevamente en boca de todos. En Marzo de 1977 editaría "Dandy in The World", un trabajo en el que parecía recuperar la energía y volver a las fuentes del Rock & Roll. En este trabajo había alistado un importante número de músicos de sesión, en que se destacaban el guitarrista Miller Anderson, el bajista Herbie Flowers y el baterista Tony Newman. Buenos temas nos devuelven a un Bolan con ganas de recuperar su terreno perdido, esa renovada frescura queda plasmada en canciones como el tema que le da nombre al disco "Dandy in The World", "Crimson Moon", "Universe", "I'm a Fool for your Girl", "Visions of Domino", "Jason B. Sad", "Groove a Little" y "Pain and Love". 
Este buen momento es acompañado por una nueva explosión mediática incrementada por la popularidad de su propio show televisivo "Marc", que lo acercaba a toda una nueva generación de jóvenes que veían en el un gurú y un personaje de culto. Llamativamente se había ganado el respesto del movimiento punk, y tal hecho lo demostraría el ser teloneados durante una de sus presentaciones por el grupo The Damned.
Uno de los momentos más importantes de ese show televisivo, fue la visita de su archi-rival David Bowie (tal rivalidad evidenciaba ese profundo respeto y admiración del uno por el otro). Entre diversas flores que se tiraron mutuamente, prometerían hacer algo juntos....
Este momento maduro de su carrera se iba a cristalizar con la firma del contrato con RCA para un nuevo álbum que se titularía "Jack Daniels".... pero todo quedaría en la nada. La tragedia pronto golpearía la puerta.
El 16 de Septiembre de 1977 Marc Bolan perdería automáticamente la vida, al chocar contra un árbol el auto que manejaba su novia Gloria Jones. Tenía tan solo 29 años. Un mes antes, el Rey Elvis tenía la poca delicadeza de morirse.... Otro ser de carne y hueso moría, otro mito nacía....


Pero las estrellas deben estar donde tienen que estar.... allá arriba y en el cielo. En ese lugar que tenían de antemano reservado y para siempre.... Es allí donde naturalmente viven. Desde allí, brilla más luminoso que nunca, siendo observado por las siguientes generaciones que lo siguen viendo como  un referente. Así fue Marc Bolan, un poco grasa.... un poco genial.... un artista único e indispensable, que le dió al Rock brillo, color, glamour y porque no.... un poco de rebeldía?.
Por aquellos días, el Rock se maquilló y se puso un poco más bonito.... Buscó en el placard y encontró su mejor vestido de fiesta.... Sin duda fueron momentos mágicos e irrepetibles. El Rock de vez en cuando, suele sorprendernos....

Ahora lo más lindo de todo esto.... Lo único que justifica tantas palabrerías.... 
Permitamos que Bolan haga su trabajo.... dejémonos seducir por sus gloriosas canciones!!. Vivan, sientan, sean libres.... Todo esta permitido.
Me despido y los dejo en compañía de su música, pero antes una sola cosa quisiera recordarles.... Por favor nunca se olviden.... que el auto y el delineador, nunca deben prestarse....

Tyrannosaurus Rex - "Debora" su primer single de 1968.



Tyrannosaurus Rex - "Salamanda Palaganda" del álbum "Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages" de 1968.



Tyrannosaurus Rex - "She Was Born to Be My Unicorn" del álbum "Unicorn" de 1969.



Tyrannosaurus Rex - "A Day Laye - Lofty Skies - Great Horse" del álbum "A Beard of Stars" de 1970.



Tyrannosaurus Rex - "Root of Stars" del álbum "A Beard of Stars" de 1970.



T.Rex - "Elemental Child" del álbum "A Beard Of Star" de 1970.



T.Rex - "Hot Love" sencillo de 1971.



T.Rex - "Mambo Sun" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Jeepster" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Cosmic Dancer" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Life's a Gas" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Get It On" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Monolith" del álbum "Electric Warrior" de 1971.



T.Rex - "Metal Guru" del álbum "The Slider" de 1972.



T.Rex - "Telegram Sam" del álbum "The Slider" de 1972.



T.Rex - "Baby Strange" del álbum "The Slider" de 1972.



T.Rex - "Spaceball Ricochet" del álbum "The Slider" de 1972.



T.Rex - "Children of the Revolution" sencillo de 1972.



T.Rex - "20th Century Boy" sencillo de 1973.



T.Rex - "Broken Hearted Blues" del álbum "Tanx" 1973.



Marc Bolan & T.Rex - "Teenage Dream" del álbum "Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow - A Creamed Cage in August" de 1974.



Marc Bolan & T.Rex - "Light Of Love" del álbum "Bolan's Zip Gun" de 1975.



Marc Bolan & T.Rex - "New York City" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.



Marc Bolan & T.Rex - "Dreamy Lady" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.



Marc Bolan & T.Rex - "Laser Love" del álbum "Futuristic Dragon" de 1976.



Marc Bolan & T.Rex - "Dandy in the Underworld" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.



Marc Bolan & T.Rex - "Soul of my Suite" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.



Marc Bolan & T.Rex - "Crimson Moon" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.



Marc Bolan & T.Rex - "Groove a Little" del álbum "Dandy in the Underworld" de 1977.

miércoles, 30 de marzo de 2011

The Velvet Undergound - El origen del ruido blanco

Entre tantas bandas de culto, existe una en especial que tuvo un profundo impacto en el desarrollo de buena parte de lo que conocemos como Rock. Casi sin quererlo sentaron las bases de futuros sonidos.... Muchísimo antes, que esos sonidos tuvieran un nombre específico: Art Rock, Rock Experimental, Punk, Noise, No Wave, Grunge, Indie..... Ellos fueron alternativos, antes que existieran los alternativos. Buscaron incomodar.... lo lograron. Pocos se enteraron en el momento.... Años después, esa "bendita molestia" vería los resultados.... 
No pasaron en vano, su presencia fue un punto de inflexión en el género. Si no hubieran existido.... posiblemente otra banda hubiera tomado la posta y habría logrado el mismo efecto.... pero fueron ellos, quienes abrieron el juego y por supuesto, lo hicieron a su manera. Ellos fueron "La Velvet Underground"....
Noooo!!!... no se trata de la marca de una aspiradora eléctrica comprada en un "Llame Ya!!". Es el nombre de una pequeña gran banda que se montó a caballo de dos de los tantos genios que el rock nos entregó: Lou Reed y John Cale.
Esta es su historia. Su verdadero impacto?.... ustedes ya lo conocen.


El joven Lewis Allan Reed creció en Long Island viviendo una adolescencia al pulso del rock n' roll. Sus padres de una estricta moral conservadora, se habían preocupado para que recibieran una buena educación musical. Tomó estudios de piano, pero con los años la guitarra fue ganando su rebelde corazón. En sus años de estudiante, como todo joven de la época que moría por la música, participó de varias bandas de rock, ante los ojos preocupados de sus padres  por el rumbo que estaba tomando su pasión. Llegó a grabar un sencillo con The Shades, una de sus formaciones juveniles. En sus años transcurridos en la Universidad de Syracuse, sus inquietudes musicales se agudizaron y comenzó a mostrar un real interés por la literatura. Enseguida sintió la fuerte conexión entre la novela y el rock. Su principal objetivo era poder experimentar en la unión de sus ambas pasiones, desarrollando tal vez la "poesía maldita del rock". Su acercamiento al poeta Delmore Schwartz lo motivó en su intención de plasmar la poesía urbana en las canciones. Su modelo era Bob Dylan.
Por aquellos años universitarios conoció a Holmes Sterling Morrison, otro joven estudiante con igual pasión por la música, pronto estarían ligados en la aventura que marcarían su destinos.
Lou Reed tenía un gran talento para componer rápidamente canciones de corta duración. Esa cualidad lo llevó a conseguir trabajo en New York en la grabadora Pickwick Records, donde se incorporó a su staff de compositores. De esta manera ingresó en la industria musical en un sello que se dedicaba a fabricar canciones pegadizas de éxito y olvido inmediato (cómprese, escúchese y tírese.... y que pase el que sigue). Así pudo componer varios éxitos efímeros para la discográfica. Uno de esas canciones "The Ostrich", había conseguido llamar la atención del público un poco más de lo habitual, por lo que hubo que concertar algunas fechas para la presentación de una banda irreal que interpretara ese esporádico éxito comercial: "The Primitives". El sello contrató un par de músicos, entre ellos un joven galés llamado John Davies Cale.
John Cale nacido en la ciudad galesa de Garnant, desde muy niño se desarrolló como un verdadero prodigio musical, ya a los tres años tocaba el piano, a los cinco la viola y a los ocho estaba componiendo. Su futuro ya estaba signado por su vocación. De muy joven se abocó al estudio de la música clásica. Luego de graduarse en música en la Universidad de Londres, cruzó el Atlántico directo a Minnesota con una beca para proseguir sus estudios musicales. Su interés ya se centraba en la composición moderna y en los artistas de vanguardia como John Cage y La Monte Young. Pronto se vincularía a este último y se le uniría a The Dream Syndicate. Allí pudo desarrollar sus inquietudes musicales tocando al lado de su maestro.
Pero había que vivir.... por tal motivo Cale no dudó en aceptar el trabajo en Pickwick Records. Más allá de The Primitives, John y Lou congeniaron muy bien. La idea de Reed de corporizar letras que representaran el mundo marginal en una música capaz de contenerlas, seducía a Cale, que igualmente buscaba transgredir con su música. Pronto sellarían la unión y compartirían departamento en Lower East Side, un barrio al sur de Manhattan, donde se respiraba enrarecidos aires de bohemia. Alejados de Pickwick Records, deciden ir más lejos y tomarse en serio esta fructífera unión musical. Tras un reencuentro casual en el metro de Lou con su compañero de la Universidad, Sterling Morrison, que era otro inquieto guitarrista, este es invitado a unírseles. Cale suma al proyecto a su vecino, un joven percusionista que también tocaba con La Monte Young, se trataba de Angus MacLise. Primero se llamaron The Warloks, luego The Falling Spikes. Llegaron a grabar unos demos que contenían una primera versión de "Venus in Furs", "Heroin", "Wrap your Troubles in Dreams" y "The Black Angel's Death Song". Un buen día un amigo del entorno encontró tirado en la calle un libro de Michael Leigh, que hablaba de temáticas sadomasoquistas. El libro se titulaba "The Velvet Underground". Este hacía referencia a ese mundo marginal que tanto los fascinaba, por lo que inmediatamente adoptaron ese nombre. Así fue como en 1965 la banda se harían conocer definitivamente como The Velvet Underground.


El promotor Al Aronowitz les ofreció un contrato para unas primeras presentaciones, la paga obviamente no era "gran cosa". Angus MacLise decidió bajarse del proyecto, esgrimiendo que el arte no se comercializaba y de alguna manera sintiéndose que se estaba prostituyendo al aceptar la magra oferta. La banda estaba en problemas y necesitaba un baterista urgente para encarar esas presentaciones. Lou cae en cuenta que la hermana de un amigo de la Universidad llamado Jim Tucker, tocaba la batería. Ni se preocuparon por que fuera mujer.... Ella estaba equipada y lista para salir al ruedo. Su estilo era más bien percusivo, casi tribal, algo que encajaba perfecto en la experimentación que buscaban. Su aspecto andrógino calzaba justo con esos "bichos raros".... Maureen Tucker, ingresaba a la banda. La primera presentación remunerada teloneando al grupo de garage The Myddle Class, no pasó desapercibida. El público que asistió posiblemente no podría decir a ciencia cierta si realmente les había gustado lo que habían escuchado.... hasta quizás alguno corrió espantado, pero lo que sí es seguro, es que salieron verdaderamente impactados. La banda había nacido para provocar, su sonido para inquietar. Prontamente Aronowitz les consiguió un contrato como residentes en un reducto conocido como "El Cafe Bizarre", en el Greenwich Willage. Sus performances no fueron menos perturbadoras. El local se llenó de gente vestida de cuero y látex que danzaban al ritmo del látigo. Las letras de sus canciones, bien los representaba. Los Velvets se mostraban visiblemente cómodos con sus danzantes visitantes, que cada vez participaban más asiduamente. Inevitablemente los dueños del local cancelarían sus presentaciones. Días antes de ser despedidos, uno de esos bailarines de cuero, Gerard Malanga, artista vinculado a la Factory de Andy Warhol, recomendó al ícono pop que se diera una vuelta por "El Bizarre". Warhol asistió en compañía del director de cine Paul Morrissey y de la modelo-actriz alemana Nico. Tras esa presentación quedaron realmente prendados. Andy Warhol los imaginó ideales para la próxima performance que venía proyectando y no tardó en llegar el ofrecimiento. Warhol los apadrinaría, les daría lugar de ensayo, equipamiento y comida, cobijándolos en la Factory, y así los convertiría en su banda residente. El grupo veía con buenos ojos las posibilidades que se les abrían y el prestigio que le otorgaba ser adoptados por el artista pop. Inclusive el público que seguía a Andy les resultaba bastante afín. La sociedad ya estaba resuelta y consumada. Nico buscaba instalarse como cantante y persuadió a Warhol para que los Velvets los acompañaran. Andy consideró que esta unión podría suavizar la imagen de por sí fuerte de la banda. De movida la idea fue inaceptable para el grupo. La presencia de Nico, que según ellos, apenas si podía cantar, era una piedra en el camino. Incluso los altos egos de su combo creativo hacían impensada la convivencia con la germana, centro de todas las miradas (que encima estaba más buena que comer con las manos....). Pero aún así, ser parte del clan Warhol les era sumamente beneficioso, por lo que traicionando a sus principios aceptaron a la bella Nico, aunque eso sí, no la consideraban parte de la banda. De esta manera pasaron a llamarse Velvet Underground & Nico. La blonda cantaría tan solo algunas de las canciones, las otras quedarían en la voz de Lou Reed, mientras ella tocaría la pandereta (sino, que otra cosa?). Por supuesto, Nico no sería parte del proceso creativo.
La música y las letras de The Velvet Underground estaba lejos de lo que se escuchaba por aquellos días cargados de flower power. Su música era machacante y se apoyaba en ritmos reiterativos.... hasta que ellos, de tanto reiterarse.... dejaban de ser reiterativos.... se entiende?. Las letras hablaban de drogas, de la calle, de sexo, de travestismo, de sadomasoquismo.... y de todas esas cosas  lindas que tanto les pueden llegar a gustar a tus abuelos!!!.... Obviamente no entraban en esa sintonía de paz y amor que proponía el hippismo, tampoco hacían pop alegre para gente que dejaba el cerebro colgado en el perchero, y desde ya eran visto como poco menos que Mefistófeles, por aquellos viejos de falsa moral conservadora. Por ende.... no encajaban en ninguna. Estaban Out!!, fuera del sistema. Warhol les había caído del cielo, como anillo al dedo.
Aquellos ensayos de la banda junto a Nico en sus días de La Factory, fueron filmados por Andy Warhol para el film "The Velvet Underground & Nico: A Symphony of Sound".


Pronto se materializaría el proyecto ideado por Warhol, "The Exploding Plastic Inevitable", un espectáculo colectivo que combinaba distintas disciplinas, como el teatro, el cine, la danza y la música. La banda era parte fundamental del show, donde le imprimía la cuota musical, mientras eran bombardeados por un arsenal de luces estroboscópicas. Alquilaron el "Dom" un salón polaco ubicado en el East Village de Manhattan, donde brillaron y cada presentación era una experiencia sensorial única. Luego de presentarse durante todo el primer semestre de 1966 en New York, se trasladaron con el espectáculo a Los Angeles, Detroit, Boston y Chicago. En esta última parada, Lou Reed tuvo que ser hospitalizado, debido a una factura que le pasó una vieja hepatitis juvenil. La banda recurrió a uno de sus fundadores, Angus MacLise, que asumió nuevamente la percusión, corriéndose Maureen al bajo, mientras Cale compartiría las guitarras junto a Sterling.
Al regreso y con el dinero ganado con el espectáculo, se pudo contratar un estudio en New York, donde la banda junto a Nico se concentraría en la grabación de su primer disco, siempre bajo la tutela de su mecenas. La libertad creativa era total, salvo que.... nuevamente se les impondría a Nico. El disco fue ofrecido a distintos sellos, pero la fuerte temática plagadas de historias de prostitución, sadomasoquismo y drogas, no ayudaban demasiado. El hecho de que el arte de tapa fuera diseñado por Warhol, posiblemente facilitó para que La Metro-Goldwyn-Mayer finalmente los contratara. El debut saldría por el sello Verve (que se especializaba en Jazz). La idea de que no compitiera con el debut de la otra banda del sello, The Mother of Invention (con el álbum "Freak Out!"), hizo que el disco estuviera guardado por casi un año entero. Las dificultades para imprimir el célebre arte de tapa ideado por Warhol, hablamos de la famosa "banana pop" (una calcomanía desplegable con una frase que invitaba a "Pelarlo lentamente y ver....") y otros inconvenientes judiciales que hicieron reformar la contratapa, pusieron más palos a la rueda. El disco fue editado finalmente en Marzo de 1967 como "Velvet Underground & Nico" y debutó en el puesto 171 de las listas de Billboard. Las radios se mostraron reticentes a publicitar el material y con esa escasa publicidad, el poco apoyo de Verve, más "lo poco adecuado" de su contenido, harían que las disquerías enseguida le bajaran el pulgar. A pesar de la escasa repercusión, el disco se convirtió con el tiempo en una de las obras más influyentes de la historia del rock. Así lo atestigua un puñado de grandes canciones que lograban una combinación perfecta entre el Avant Garde y Pop.
Allí se dejan escuchar las melódicas y aparentemente ingenuas "Sunday Morning", Femme Fatale" y "I'll Be Your Mirror", la psicodélica "All Tomorrow's Parties" todas interpretadas por la gélida voz de Nico. Al sumergirnos en este disco nos rendimos ante el garage rock de "I'm Waiting For The Man" y el psico-blues narcótico de "Run Run Run". Nos dejamos llevar por el hipnótico "Venus in Furs", que nos sugiere cometer algunos pecados aterciopelados. Nos sentimos perturbados en ese himno al desquicio que es "Heroin", o la caóticamente genial "The Black Angel's Death Song", donde la viola de Cale, directamente te atraviesa el alma.
El espectáculo de la "Exploding Plastic Inevitable" continuó hasta mitad de 1967, luego de ello concluyó el vínculo de la banda con Warhol, y por ende.... Nico dejó de cantar con la Velvet.
Ese mismo año Nico edita su debut solista "Chelsea Girl", en el que colaborarían los mismos Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison.


La banda buscó en Steve Sesnick un nuevo manager más conectado con la industria musical.
En Septiembre de 1967 entraron a estudio a registrar su segundo álbum. El proceso de grabación no llevaría más que pocos días. Finalmente saldría a la luz a fines de Enero de 1968 bajo el título de "White Light / White Heat". Este álbum nos presenta canciones plagadas de exploraciones sónicas, con guitarras llenas de distorsión que pintaban climas más crudos. Sin dudas, su disco más experimental. Otro disco fundamental de cara a lo que vendría.... Con estas características, los resultados comerciales eran previsibles. La Velvet difícilmente llegaría a ser la "banda que escuchaban todos".... 
Este trabajo nos dejará gemas como el tema que da nombre al álbum "White Light / White Heat", un piano machacante rockeando sobre una espesa pared de sonido. "The Gift" con un Cale recitándonos en el oído derecho, mientras Reed nos hace chirrear su guitarra en el izquierdo. "Lady Godiva's Operation", quién más se podría atrever a contar la semejante historia de una operación quirúrgica, en las que las cosas no salen como originalmente se habían planificado?.... "Here She Comes Now", o como es hacer noise antes que existiera el noise.... (cuánto le deben bandas como Sonic Youth!!). Más de diecisiete minutos de "Sister Ray" prometen hacernos estallar la cabeza.
Con el correr de las presentaciones, llegaría también el desgaste, producto del inevitable choque de egos de sus dos genios creativos. La tensión entre Reed y Cale se haría cada vez menos tolerable. Finalmente Reed intima al resto de la banda a elegir entre él y Cale. John Cale se fue de la Velvet y con él, su costado más osado y experimental. Su reemplazante sería el bajista de The Grass Menagerie, Doug Yule, sugerido por Sterling Morrison.
Con Sesnick como mánager, la banda tocaría en reductos mas afines, como el "Whisky A Go-Go".


Con el total control creativo de la banda en manos de Lou Reed, se edita en Marzo de 1969, "The Velvet Underground". Un título que era toda una declaración.... "Si señores, estos somos nosotros". Este tercer trabajo nos muestra un cambio profundo en su dirección musical. Perdiendo toda audacia, la banda se mueve en aguas mas seguras, haciendo su disco más audible para el oído standard del rock. Casi un pre-anuncio del rumbo que tomaría en un futuro cercano, la carrera solista de Lou Reed.
El resultado fue un agradable y relajado álbum que acercó a la banda a un nuevo público. Suaves e íntimas canciones como "Candy Says", "Some Kinda Love", "Pale Blue Eyes", "Jesus" conformarán el renovado ADN de la banda. La experimentación no quedaría relegada por completo, en "The Murder Mistery" se escucha a los cuatro integrantes recitando dos narraciones simultaneas en distintas canales. "Moe" Tucker se animaría a ponerle la voz a la espléndida "After Hours" y se la escucharía susurrar inofensiva: "Si usted cierra la puerta, la noche podría durar para siempre....".
Al asumir el nuevo presidente de la MGM, una purga moralista los deja fuera del sello, y rápido de reflejos, Steve Sesnick les consigue un contrato con Atlantic Records. En el medio, un montón de material inédito quedaría registrado, años más tarde vería la luz en distintas compilaciones.
Durante el proceso que lo llevaría a su cuarto álbum, Maureen Tucker quedaría embarazada y debido a las presiones de Atlantic, no pudieron postergar la grabación del mismo. En las sesiones de grabación, Maureen sería reemplazada por el mismo Doug Yule, su hermano Billy Yule, Tommy Castanaro y el propio ingeniero de sonido Adrian Barber. El disco sería editado en Septiembre de 1970 con el nombre de "Loaded" y constituiría su trabajo más comercial hasta el momento. Poco quedaría de aquella Velvet que buscaba trabajadas texturas, ahora sonaba tal como se requería para que cualquier radio lo tuviera en cuenta dentro de su grilla. Más allá de los nuevos tiempos, se trataría de un álbum muy agradable y de fácil escucha, en la que es muy notable un mayor protagonismo de Doug Yule. En este disco quedará inmortalizado el clásico "Sweet Jane", versionado hasta la médula por distintas bandas. También se destacarían temas como "Who Loves The Sun", "Rock & Roll" y "Oh! Sweet Nuthin'". Poco después de la edición de este álbum, un cada vez más disperso y díscolo Lou Reed, dejaría la banda y regresaría a su casa familiar de Long Island. Muy pronto iniciaría una increíble carrera como solista.


Doug Yule tomaría la conducción de un barco que iba derecho a la deriva. Poco después Sterling Morrison seguiría los pasos de Lou Reed. Steven Sesnick incentivó el ego de Doug Yule y lo motivó para continuar con la banda. Aunque ya no quedaba casi nada de ella, creían que todavía había algo de jugo por exprimir....
Doug Yule tan solo contaba con la presencia de Maureen, por lo que tuvo que rearmar rápidamente la banda para encarar una gira por Reino Unido y los Países Bajos. Yule se encargaría de la guitarra y convocaría a dos antiguos compañeros de The Grass Menagerie, Willie Alexander en teclados y Walter Powers en bajo. La recepción obviamente no fue la mejor....
En el medio de la confusión y para cumplir el contrato con Atlantic, se editaría en Mayo de 1972 "Live At Max´s Kansas City", un álbum en vivo con el material  registrado en los días que pasaron como residentes en el emblemático local newyorkino, previo a la grabación de "Loaded".
Finalizado el contrato con Atlantic, Steve Sesnick les consigue un contrato con Polydor para grabar un nuevo disco en sus estudios de Londres. Recortes presupuestarios dificultarían la grabación del mismo.
Finalmente en Septiembre de 1972, sin la presencia de Maureen Tucker y de los dos nuevos integrantes, Doug Yule ingresará a estudios para registrar "Squeeze", un camuflado disco solista editado bajo el traje de Velvet Underground en Febrero de 1973. En este disco, Yule se haría cargo de casi todos los instrumentos salvo la batería, y contaría con la colaboración de algunos músicos de sesión, entre ellos el baterista de Deep Purple, Ian Paice.
El álbum no contó con el apoyo de la compañía, y solo fue editado en Europa (pronto sería descatalogado). La prensa y el público le resultaron indiferentes. A pesar de todo, Doug Yule y Steve Sesnick deciden promocionar el disco y salen a realizar algunas presentaciones en Reino Unido, por lo que contratan a Rob Norris en guitarra, George Kay en bajo y Mark Nauseef en batería para encarar esos compromisos. Luego de esas presentaciones y ante la escasa repercusión, Steve Sesnick abandona a Yule, dando "el tiro de gracia" que firmaba el certificado de defunción de The Velvet Underground.
En Septiembre de 1974 y con la Velvet en el recuerdo, Mercury Records saca al mercado un disco doble en vivo con material registrado durante las presentaciones en Dallas y San Francisco, poco antes que Lou Reed abandonara la banda. Este llevaría simplemente el título de "1969: Velvet Underground Live".


En los años 80's la influencia de The Velvet Underground es más que notoria en los sonidos emergentes. Son considerados como una banda de culto para las nuevas generaciones y un revisionismo de su música se ve reflejado en la edición de algunas compilaciones y de material de archivo guardados hasta ese momento celosamente.
En 1985 se edita "VU" con material inédito registrado durante el período 1968-1969. En 1986 le sigue la edición de "Another View" con grabaciones del período 1967-1969.
Lou Reed y John Cale se volverían a ver las caras recién en 1989, cuando se reunirían para recordar a  su amigo y padrino de la Velvet Underground, Andy Warhol, fallecido en 1987. El resultado fue el intimista y conceptual álbum "Song For Drella" editado en 1990 y que repasa la vida del genial artista.
En 1993 se produjo la reunión de la banda con sus miembros originales (Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker). Realizaron una serie de antológicos conciertos por Europa que incluyó Escocia, Inglaterra, Alemania, República Checa, Francia, Suiza, Holanda, Dinamarca e Italia. Se presentaron en lugares como "The Forum" y el "Wembley Arena" de Londres, en el "Glastonbury Festival" de Pilton  (Inglaterra), en el teatro Olimpia de París. Cerraron la gira abriendo los recitales de U2 en Francia y Suiza. Las tres noches del Olimpia de París fueron registradas en el álbum "Live MCMXCIII". Antes que se considerara la posibilidad de continuar la gira por América y de trabajar en un nuevo material de estudio, los viejos fantasmas y rivalidades de Reed y Cale abortaron toda esperanza de disfrutar de una nueva versión del mito.
En 1996 ingresarían en The Rock And Roll Hall Fame.
En la era de los box set se editarían en 1995 "Peel Slowly And See" con material comprendido entre 1965-1970. El nuevo milenio repasaría la agonía de la Velvet de Doug Yule en "Final VU 1971-1973" editado en el 2001.


Lou Reed, se convirtió en un prócer intocable,  poeta urbano, ícono - emblema de New York. Su carrera solista ayudó a marcar los tiempos de evolución del rock. Cada disco editado es esperado fervientemente por sus millones de seguidores.
John Cale desde su debut solista con en el disco "Hallelujah" de 1967 (el mismo año que se alejó de la Velvet), se transformó en un músico de culto referencial en el movimiento del Avant Garde y Art Rock. Sus trabajos solistas son considerados de alto vuelo. Formó dupla con Brian Eno en el disco "Wrong Way Up" de 1990. Su labor como productor es considerado crucial, comandando el segundo disco de Nico, el debut de The Stooges, el emblemático álbum "Horses" de Patti Smith y el debut de la banda new wave Squeeze, entre otras colaboraciones.
Mientras que Sterling Morrison se alejó de la música, Maureen Tucker recién reapareció en los 80's con algunos aislados trabajos como solista.
Doug Yule formó la banda American Flyer con el que registró dos álbumes a mediados de los 70's, y  participó a su vez de algunos trabajos como músico de sesión.
Nico realizó varios trabajos como solista y se mantuvo bastante activa. El 18 de Julio de 1988, luego de un derrame cerebral provocado por un accidente en bicicleta, fallece a los 49 años en la ciudad de Ibiza, España.
Sterling Morrison falleció el 30 de Agosto de 1995 en New York a los 53 años, tras una larga lucha contra una enfermedad conocida como Linfoma Hodgkin.

Hoy mirando hacia atrás.... solo nos queda decir: Cuanto se les debe.... 
Brian Eno supo bien decir: "Pocos los escucharon durante su corta existencia.... pero todos los que lo hicieron.... formaron una banda".

Nos disponemos a escuchar algo de su enorme obra.
Si reconocen algo de ellos en su banda favorita.... les puedo asegurar que nada es casualidad....

"I'm Waiting For The Man" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Sunday Morning" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Femme Fatale" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Venus In Furs" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Heroin" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Run Run Run" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"The Black Angel's Death Song" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"European Son" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



"Lady Godiva's Operation" del álbum "White Light-White Heat" de 1968.



"After Hours" del álbum "The Velvet Underground" de 1969.



La Reunion de 1993. "All Tomorow's Parties" del álbum "Velvet Underground & Nico" de 1967.



La Reunión de 1993. "White Light/White Heat" del álbum "White Light-White Heat" de 1968.



La Reunión de 1993. "Some Kinda Love" del álbum "The Velvet Underground" de 1969.



La Reunión de 1993. "Pale Blues Eyes" del álbum "The Velvet Underground" de 1969.



La Reunión de 1993. "Rock & Roll" del álbum "Loaded" de 1970.



La Reunión de 1993. "Sweet Jane" del álbum "Loaded" de 1970.

sábado, 12 de febrero de 2011

The Doors - Abriendo las puertas del Señor Morrison....

The Doors fue una banda distinta a todo lo que se conoció. Ni los más acérrimos imitadores lograron capturar ese sonido único. Su influencia fue decisiva en aquellos días, en los que vinieron, en los que estamos transitando y seguramente en los que vendrán. Morrison fue la cara visible que se convirtió en estampita sagrada, pero detrás de él y la banda hubo un coctel perfecto que combinó todos los elementos que los transformó en mito y leyenda. Poesía, surrealismo, mantra, chamán, sensualidad, psicología, perversidad, tragedia, misterio, hipnosis, vanguardia, transgresión, rebeldía y Rock & Roll.


Esta historia comenzó como la de los grandes amores.... con un verdadero flechazo.... Era 1964 y la escena transcurría en un soleado día en la playa de Venice, California. Jim Morrison se había encontrado con Ray Manzarek, un compañero de la carrera de cinematografía de la Universidad de UCLA (Universidad de California - Los Angeles). En ese casual encuentro, Morrison le enseña la letra de un poema que quería hacer canción y que se llamaba "Moonlight Drive". Manzarek queda fascinado con el vuelo creativo y el talento de Morrison. Había mucho en común entre ellos, ambos amaban la música, la literatura y tenían inquietudes por distintas expresiones artísticas. Por aquellos días Ray Manzarek y sus hermanos tenían una banda de R&B con cierta reputación en el circuito underground de Los Angeles. Se llamaban Rick & The Raven y solían tocar en distintos clubes de la zona. Enseguida invitan a Morrison a unírseles como vocalista. Por su parte, en la escena universitaria de Los Angeles, otros compañeros de estudios, John Densmore y Robby Krieger tocaban en otra formación amateur llamada The Psychedelic Rangers. En un primer momento, Densmore se une como baterista a la banda de los hermanos Manzarek y realizan junto a Morrison, un demo de cinco temas que no tuvo mayor trascendencia.
Los hermanos de Ray no tenían mucha onda con la temática de las letras de Morrison y deciden abrirse e intentar otros rumbos, dejando el plato servido para la formación de esta nueva sociedad artística. Poco después se les sumaría la guitarra de Robby Krieger, conformando lo que sería la formación definitiva y que haría historia bajo el nombre de The Doors.


El nombre surge de un concepto de Jim Morrison inspirado en un ensayo escrito en 1954 por Aldous Huxley, "The Doors of The Perception" en el que habla de sus experiencias alucinógenas por la ingestión de mezcalina. El título surge de una cita al texto de William Blake en su obra "El Matrimonio del cielo y el infierno", en el que decía: "Si las puertas de la percepción fueran derribadas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito". 
Pronto comenzarían a tocar en el circuito de clubes de Los Angeles. Pasaron por The London Fog y pronto se hicieron residentes del Whisky a Go Go. Su sonido se apoyaba en el distintivo sonido del órgano de Manzarek que a su vez hacía de bajo (el famoso Fender Rhodes Piano Bass), las guitarras hipnóticas y arábigas de Krieger, y la sutileza percusiva de Densmore, que ponían el marco ideal para resaltar los inspirados textos de Morrison, llenos de referencias que invitaban a "abrir la puerta y traspasarla".
Arthur Lee, líder de los psicodélicos Love, luego de presenciar una de sus llamativas presentaciones, los recomienda a su sello Elektra. Jac Holzman, presidente del sello y su productor estrella Paul Rothchild (vital en la carrera de la banda) se presentaron en el Whisky a Go Go y los observaron por dos noches consecutivas. Su primera presentación fue bastante irregular, pero la segunda fue lo suficientemente contundente para flashearlos e inmediatamente le ofrecen un contrato con el sello. El 18 de Agosto de 1966 The Doors fichan para Elektra Records. Pocos días después se produce un incidente en el medio de su  presentación en el Whisky a Go Go, que termina con la expulsión de la banda del mítico club, tras pronunciar los versos edípicos de la canción "The End":  
"Father? Yes son?, I want to kill you".... "Mother? I want to fuck you".


En Enero de 1967 se edita su primer LP llamado simplemente "The Doors" producido por Paul Rothchild (que los acompañaría prácticamente en toda su carrera), y que fue muy bien recibido por el público y la crítica musical. El boca a boca y algunos incidentes, los habían puesto en un lugar de mucha expectativa. La banda venía trabajando aceitadamente durante los dos últimos años en lo que eran la base de este primer trabajo, por lo que fue grabado prácticamente de corrido y en pocos días, durante finales de Agosto y principio de Septiembre de 1966. En el se destacaban canciones ya apreciadas por su público. Entre ellos el controvertido "The End", ese torbellino en forma de rock que presentaba "Break On Through (To The Other Side)", su primer single oportunamente promocionado en video. También incluía "Light My Fire", escrito por Krieger (aunque los créditos mencionaran a toda la banda), que fue su segundo sencillo y que alcanzó el puesto número uno de Billboard. Se destacaban también "Soul Kitchen", la sutil "The Crystal Ship", "Alabama Song (Whisky Bar)", una adaptación de la canción escrita por Bertolt Brecht.
Los shows de los Doors fueron el centro de atención durante todo ese año. Enseguida Morrison con su "alma sensible", su buen aspecto, sus pantalones de cuero, y su fuerte presencia escénica y chamánica con entradas en trance incluidas, lo convirtieron no solo en el "Rey Lagarto", sino también en una personalidad atractiva para los medios. La controvertida relación de la banda y los medios quedó expuesta en su presentación de ese año en The Ed Sullivan Show, donde la CBS los invitó a cambiar la letra de "Light My Fire". Les había solicitado a Morrison y compañía un "pequeño cambio" en el párrafo "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), aludiendo a una posible incitación a las drogas. Todas las miradas estaban puestas en el preciso momento en que Morrison llegaría a cantar esa línea. Al llegar ese tenso instante, Morrison cantó la integridad de la estrofa sin modificación alguna y ante la estupefacta mirada de todos, inclusive del resto de la banda. La CBS quedó sin poder de reacción y un furioso Ed Sullivan se negó a estrecharles la mano. La banda obviamente, jamás volvería a ser invitada.


En Octubre de 1967 se edita su segundo álbum "Strange Days". Este no tuvo la misma repercusión comercial que su antecesor, pero de toda manera vendió muy bien, llegando al tercer puesto en los charts de Los Estados Unidos. Estilísticamente podríamos decir que fue una continuación de su anterior trabajo. Se destacan "Strange Days", también promocionado en video, el magistral "Love Me Two Times", el carrouselesco "People Are Strange", la épica "When The Music's Over" y "Moonlight Drive", aquella primera canción que unió a Morrison y Manzarek en la playa de Venice.
El 10 de  Diciembre de ese año, otro hecho escandaloso tiño a la banda tras una presentación en New Haven - Connecticut, en el que Morrison fue arrestado por hablar mal de la policía en público.
Jim Morrison se había dirigido a sus fans, contándoles con lujo de detalles, como antes de salir a escena un policía le había tirado con gases lacrimógenos a los ojos, luego de haberlo encontrado en una situación amistosa con una señorita.
En Julio de 1968 sale a la luz su tercer álbum "Waiting For The Sun". Este trabajo representa su primer número uno en ventas. Encontramos en este material a su segundo single más exitoso de su carrera "Hello, I Love You", que llegó al número uno en los charts norteamericanos, y que también trajo a la banda una demanda judicial por parte Ray Davies de The Kinks, por su increíble semejanza con la canción "All Day and All of The Night". También encontramos clásicos como "Love Street", "The Unknown Soldier", "Spanish Caravan" donde se destaca la guitarra con aires flamencos de Robby Krieger, "Five to One" y "Not to Touch the Earth" que fuera extraída de la original pieza "Celebration of the Lizard".
Durante ese año la actividad de la banda sobre los escenarios siguió creciendo en paralelo a los escándalos y excesos de Morrison, que cada vez se sumergía más profundamente en el alcohol y las drogas. Pronto encararían su primera y exitosa gira europea, donde fueron muy bien recibidos. Sus presentaciones en Londres y Frankfurt fueron memorables, pero en un show realizado en Amsterdam, la banda tuvo que presentarse sin Morrison, debido a su mal estado, producto de sobrepasarse de drogas.
El 24 de Enero 1969 la banda daría un recordado recital a estadio lleno en el Madison Square Garden de New York, que los pondría en el pico de su popularidad. El 1 de Marzo durante el recital celebrado en el Dinner Key Auditorium en Miami - Florida, Morrison incitó a un público que había sobrepasado la capacidad física del lugar, a manifestarse libremente, lo que provocó la inesperada  y cómplice reacción de la audiencia ante la sugerencia del Rey Lagarto. El incidente terminó con la cancelación del recital y una nueva detención de Morrison, que tuvo que enfrentar los cargos por conducta obscena. Finalmente quedaría absuelto, pero la banda tuvo que hacer una aconsejable pausa en sus presentaciones.


En Julio de 1969 editan su cuarto álbum "Soft Parade", que representa un cambio en su música. Este material se ve envuelto de nuevas texturas aggiornadas por arreglos de cuerdas y una importante sesión rítmica con un sabor funky aportado por los bronces. El disco no tuvo importantes ventas y fue muy criticado por su tendencia a un sonido más pop y por sus sobrecargadas orquestaciones. Se trataba de un período donde Morrison se encontraba totalmente descuidado, y su trato era bastante díscolo. Durante las sesiones de grabación, Morrison se presentaba bastante más relajado de lo habitual, por lo que hubo que repetir en varias oportunidades las grabaciones de algunas de las canciones. Como consecuencia de ello, se alargó más de lo esperado el tiempo en estudio y por consiguiente, el presupuesto fijado, que era más de lo que la banda estaba acostumbrada a asumir. Esta tensa situación provocó el malestar entre sus integrantes, llevándolos al borde de la ruptura. A pesar de todas las contrariedades fue importante el éxito de su single extraído "Touch Me", una pieza con una sesión de viento bien funky, distinto a todo lo que venían realizando. Este trabajo también nos dejará importantes canciones como "Tell All The People", "Wild Child", "Wishful Sinful", "The Soft Parade" y "Runni'n Blue" cantada por Robby Krieger. A partir de este trabajo comienza a mostrarse los créditos de las canciones por separado, lo que marca un punto de quiebre en la banda.
En Febrero de 1970 se edita "Morrison Hotel", con el que regresan a un estilo más cercano al R&B y a los mantras hipnóticos de sus orígenes. Este álbum de corte conceptual bien delimitado por su lado "A" denominado "Hard Rock Cafe" y su lado "B" identificado con el nombre del mismo álbum, nos ofrece perlas como "Roadhouse Blues", "Waiting for The Sun" (tema que había quedado excluido del álbum del mismo nombre), "You Make Me Real", "Peace Frog", "The Spy", "Indian Summer". Se destacan la participación de los bajistas Ray Neopolitan y Lonnie Macken como músicos invitados.
En Julio de 1970 se edita el primer álbum en vivo de la banda "Absolutely Live", que recopila material de sus presentaciones anteriores. Este material presenta por primera vez, la versión completa de "Celebration of the Lizard", trabajo conceptual que contenía distintas piezas poéticas escritas por Morrison y que fuera ideado en un principio como un espectáculo teatral.
En el medio de los procesos judiciales, el 29 de Agosto de 1970 la banda participa del legendario Festival de la Isla de Wight en Inglaterra, junto a artistas como Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Jethro Tull, ELP, Sly & Family Stone, Miles Davis entre otros.
A los pocos días Morrison fue sentenciado a ocho meses de prisión debido a los escándalos públicos. Finalmente pudo apelar y obtener su libertad, aunque ya le quedaba poco espacio de margen de error.


En Noviembre de 1970, Morrison estaba pasando por su peor momento y venía soportando varias crisis personales. Se encontraba totalmente desencantado con todo lo que rodeaba el negocio de la música. A pesar de ello, se reúne con el resto de la banda para la grabación de lo que sería su último álbum de estudio juntos, "L.A. Woman". El sostenido deterioro de Morrison hizo difícil la grabación del mismo. De entrada la banda se vio abandonada por su productor histórico Paul Rothchild, que se negó a formar parte del proyecto. The Doors no se amedrentaron y tomaron el control de la producción junto a su ingeniero de sonido de siempre, Bruce Botnick. En las sesiones de grabación colabora Jerry Scheff en el bajo. El resultado final fue editado en Abril de 1971, y sorprendió por una entrega casi total a las raíces del R&B, como quizás nunca antes lo habían expresado. Se destacan en él, temas como "The Changeling", "Love Her Madly", la versión del tema de John Lee Hooker "Crawling King Snake", "L.A. Woman" (quizás la canción despedida de Morrison a su querida Los Angeles) y el inmortal "Riders On The Storm".
Después de la grabación de este álbum, un Morrison abrumado, decide recuperar algo de paz y dedicarle más tiempo a su amor por la literatura. Quizás buscando la pista de Rimbaud, Artaud y el "Teatro de La Crueldad" (movimiento con el que se sentía emparentado) y jugando a lo que en realidad siempre soñó ser.... "un poeta francés", se instaló en París junto a su novia Pamela Courson. Por un breve tiempo pareció encontrar la tranquilidad, recorrió la ciudad, se vinculó con sus poetas y sus artistas, volvió a escribir.... parecía un tipo feliz. Pero este pequeño espejismo duro poco y pronto volvería a sumergirse en el alcohol y las drogas.


El 3 de Julio de 1997 en la ciudad de París y con tan solo 27 años, Jim Morrison es encontrado muerto en la bañera de su departamento. Las causas no son del todo precisas, todo remite a confusión. La versión oficial es que el deceso se produce por un paro cardíaco. Luego se supo que nunca se hizo la autopsia de su cuerpo. Para alimentar las dudas, también se difundió que Morrison se había pasado de la raya en un bar parisino, falleciendo en el baño del mismo como producto de una letal sobredosis, y siendo trasladado por conocidos a su apartamento, alojándolo precisamente en la bañadera. Las versiones hablan que cuando el cuerpo fue hallado en la bañera, tenía tres días sin vida. Incluso otra fuente sugiere que el fallecido no era Morrison, ya que las características del cuerpo no coincidían con la estatura y la edad aproximada que informó el médico forense. Lo concreto es que salvo su novia Pam y el forense, nadie más vio su cuerpo. El 7 de Julio fue enterrado en el cementerio parisino Pére-Lachaise. Todos los años para la fecha, su última morada es lugar obligado de ofrendas y tributos de sus millones de fans en el mundo. Hay mucho misterio alrededor de su muerte que alimenta aún más su fantasma y mito. Están los que piensan que harto de la vida de rock star, decidió fingir su muerte para aislarse en algún lugar del mundo a vivir su vida en paz y rodeado de lo que realmente le gusta. Quizás este apurando un trago con Elvis en alguna isla paradisíaca.... quién sabe?.... Su compañera, eterna novia y musa, Pam Courson se uniría a él tres años después, el 25 de Abril de 1974. Su muerte también fue en circunstancias extrañas, aunque la versión oficial habla de sobredosis de heroína.


El golpe fue durísimo para el resto de la banda, pero supieron sobreponerse y lograron grabar dos discos más. Si bien se especuló con un reemplazo (en su momento se pensó en Iggy Pop), Ray Manzarek y Robbie Krieger tomaron el control de las voces en estos respectivos trabajos, que tuvieron poca repercusión comercial y fueron vistas con cierto recelo por la crítica. En mi consideración, se trata de dos excelentes álbumes que abren el espectro musical de la banda y explora nuevas sonoridades, acercándose a ritmos latinos y más cercanos al jazz. Así fue como editaron "Other Voices" en Octubre de 1971 y "Full Circle" en Julio de 1972. Ambos trabajos fueron producidos nuevamente por el sello Elektra y contaron con un importante número de músicos de sesión, algunos de los cuales ya habían colaborado en discos anteriores.
La banda recién volvería a reunirse en 1978 para musicalizar una sesión de poemas que Morrison registró en Diciembre de 1970, bajo el título de "An American Prayer".
En los sucesivos años la carrera de los sobrevivientes de The Doors fue bastante dispar. Ray Manzarek se convirtió en un músico de culto venerado por las nuevas generaciones que buscaban absorver algo de esa mística. Así fue como en 1980 la banda californiana New Wave conocida como X, buscó su apadrinamiento logrando que produjera sus primeros cuatro discos (1980-1983).  También unos devotos Echo & The Bunnymen solicitaron de sus servicios como invitado especial en su disco homónimo de 1987. Luego de la disolución de The Doors, Robby Krieger y John Densmore siguieron tocando juntos y formaron The Butts Band con el que registraron los álbumes "The Butts Band" en 1974 y "Hear and Now" en 1975. Robbie construyó una importante carrera como solista junto a su banda The Robbie Krieger Band. John Densmore se alejó en los siguientes años de la música dedicándose a otros proyectos personales vinculados con la danza y el teatro. En el 2006 regresó a la música formando la banda de jazz experimental Tribaljazz con el que registró un álbum y con la que actualmente se encuentra de gira.
La película de Oliver Stone "The Doors" de 1991, no hizo más que revalorizar la leyenda y presentar la banda a una nueva generación de jóvenes. A pesar de su gran éxito y de lo beneficiosa que fue en términos de reposicionamiento, fue muy criticada por los miembros de la banda, disconformes con el tratamiento de la figura de Morrison.
En el año 2002 Manzarek y Krieger intentan recuperar el espíritu de la banda y salen de gira con una recreación denominada "The Doors of the 21st Century". El proyecto no interesa a John Densmore, convocando en un principio al ex The Police Stewart Coppeland, pero a causa de un accidente en bicicleta tuvo que bajarse de esta experiencia, siendo reemplazado por Ty Dennis que había tocado anteriormente en The Robbie Krieger Band. En el bajo se convocó a Angelo Barbera, que también había tocado en la banda de Krieger. Faltaba un pequeño detalle.... quién asumiría la tamaña responsabilidad de hacerse cargo de las voces. Semejante traje fue a parar a las espaldas del cantante de The Cult, Ian Astbury, tarea que llevó adelante con bastante dignidad. Trabas legales impuestas por John Densmore y la familia Morrison, impidieron que pudieran continuar con algún nombre que hiciera referencia directa a The Doors. Desde el 2005 giraron, primero bajo el nombre de "D21C", luego como "Riders On The Storm" y debido a que de la misma manera se hacía llamar una de las bandas tributos de la banda, terminarían referenciándose simplemente como "Ray Manzarek and Robby Krieger of The Doors". La banda acompañados de distintos músicos que fueron alternándose a lo largo de las distintas giras, continúa hasta el día de hoy homenajeando aquellas eternas y gloriosas canciones y llevando por el mundo aquel mágico sonido.


Morrison se transformó en leyenda, en una figura que no puede obviarse dentro de la contracultura vivida en los 60's y de enorme impacto en las generaciones siguientes. The Doors no fue solamente el envase perfecto para contener semejante talento, lirismo y virtuosismo, fue fundamentalmente un hilo conductor que nos conectó a nuevos sentidos y sensaciones.... que nos permitió explorar adentro de nuestras emociones y que nos abrió finalmente, las puertas de la percepción....

Amigos, les propongo hacer una pausa en nuestras vidas.... entrar en trance y dejarnos transportar por su música.

"Light My Fire" del álbum "The Doors" de 1967.



"Break On Through (To the Other Side)" del álbum "The Doors" de 1967.



"The Crystal Ship" del álbum "The Doors" de 1967.



"The End" del álbum "The Doors" de 1967.



"Love Me Two Times" del álbum "Strange Days" de 1967.



"Moonlight Drive" del álbum "Strange Days" de 1967.



"People Are Strange" del álbum "Strange Days" de 1967.



"When The Music's Over" del álbum "Strange Days" de 1967.



"Strange Days" del álbum "Strange Days" de 1967.



"Hello, I Love You" del álbum "Waiting For The Sun" de 1968.



"Love Sreet" del álbum "Waiting For The Sun" de 1968.



"Spanish Caravan" del álbum "Waiting For The Sun" de 1968.



"Unknown Soldier" del álbum "Waiting For The Sun" de 1968.



"Tell All The People" del álbum "Soft Parade" de 1969.



"Touch Me" del álbum "Soft Parade" de 1969.



"Wishful Sinful" del álbum "Soft Parade" de 1969.



"Roadhouse Blues" del álbum "Morrison Hotel" de 1970.



"Waiting For The Sun" del álbum "Morrison Hotel" de 1970.



"You Make Me Real" del álbum "Morrison Hotel" de 1970.



"L.A. Woman" del álbum "L.A. Woman" de 1971.



"Riders on the Storm" del álbum "L.A. Woman" de 1971.



Entonces quedaron tres.... "In The Eye Of The Sun" del álbum "Other Voices" de 1971.



"The Piano Byrd" del álbum "Full Circle" de 1972.



"Ghost Song" del álbum "An American Prayer" de 1978.