Motown Records - Negra mi alma.... Negro mi corazón....

Motown representó el sueño de una sociedad negra que se cansó de penar.... y decidió salir a celebrar la vida. Pidieron en voz alta Respeto!!  Se hicieron respetar de una manera sencilla.... respetándose primero a sí mismos.... Cantando su orgullo y buscando su identidad. Enseñaron a toda una sociedad conservadoramente blanca que la vida tenía otro color.... simplemente el color de la vida.... El amor, la alegría, la tristeza no elegía color y raza.... Se intentó dar una mirada optimista al mundo.... Podemos decir que en ese momento, no solo lograron contagiar a una comunidad negra.... sino a toda una comunidad.... entendiendo y enseñándonos que todos formamos una única sociedad.... con las mismas necesidades. En definitiva.... absolutamente todos necesitamos a "alguien a quién amar....".

La historia cuenta como Berry Gordy Jr., un joven oriundo de Detroit, luego de probar suerte con diferentes trabajos, decidió que su vida era la música. Comenzó como compositor de Jackie Wilson y de The Matadors. Pronto tuvo la visión que el mismo, podía producir sus propias composiciones, envasarlas y venderlas. Supo entender lo que el público necesitaba. Luego de un período de ostracismo que reino luego de la post guerra, la gente deseaba un poco de optimismo. A partir de un sonido en el  que combinaba rhythm and blues y gospel, con  delicados arreglos pop, melodías agradables fácilmente reconocibles, a las que les  imprimirían una estética amigable a su envoltorio, procuró captar no solo a un público negro sino también conquistar al blanco. Así fue como también rompió una barrera interracial que los separaba y los hacía mirarse con recelo. Motown también fue un símbolo de la integración. Para lograr todo esto hubo que poner la "rueda en movimiento". Gordy rompió el chanchito y con sus pocos ahorros, más lo prestado por su familia (800 dólares) fundó una grabadora en la misma Detroit, ciudad fuerte en la industria automotriz. Todo comenzó un 12 de Enero de 1959. Al principio la empresa familiar se llamó Tamla, para luego mutar a Motown (juego de palabras extraída  de Motor Town, que significaba ciudad del motor, tal como le decían a Detroit por aquellos años).

Luego de precisar el sonido que quería lograr, comenzó a trazar su plan estratégico. No solo el formato de sus canciones (cortas, pegadizas y con buena instrumentación), sino también debía tener una estructura definida. No eran tiempos de suficiente dinero, pero si sabía  del gran potencial que tenía entre sus manos. Compró una vieja casa que oficiaba de estudio fotográfico en un barrio residencial de Michigan, para transformarla en el emblemático estudio Hitsville USA. Allí se concentrarían la sede, las oficinas, los estudios, la sala de mezcla, edición y producción.... al mismo tiempo era la vivienda del propio Berry Gordy. Rápidamente puso a trabajar a su familia en distintos puestos, como músicos de sesión (su hermana Gwen y su padre, Berry Sr.) e incluso como administrativos. Colocó como su mano derecha a su amigo y cantante de The Matadors, Smokey Robinson, luego este se convertiría en vicepresidente de la compañía. Antes de seleccionar sus primeros intérpretes sabía que para darle una estructura y color identificable a sus canciones, debía tener un grupo estable de compositores y músicos sesionistas, que operarían como una "gran familia" detrás de un mismo objetivo: conquistar y endulzar los oídos del "público americano". Así enroló un equipo de compositores y productores: Lamont Dozier, y los hermanos Brian y Eddie Holland (integrantes del famoso támden Holland-Dozier-Holland), también la sociedad integrada  por Norman Whitfield y Barret Strong, William "Mickey" Stevenson , Frank Wilson y el propio Smokey Robison. Todos ellos escribiendo, arreglando, produciendo las canciones que muy profesionalmente ejecutaría un grupo de músicos sesionistas desconocidos, bautizados como The Funk  Brothers. Todos ellos trabajando al servicio de los intérpretes, cuidadosamente elegidos para concebir el próximo "gran éxito". Motown funcionaba como una perfecta y aceitada máquina de fabricar hits.

Podemos asegurar que existe un "sonido Motown" amasado, estilizado y perfeccionado a través de los años. Su característica principal eran hits simples, bailables y rítmicos, con letras sobretodo optimistas, y lo suficientemente reconocibles para que quedaran en la cabeza de la gente por mucho tiempo. También había lugar para las baladas dulzonas, a veces dramáticos cantos al amor. Tampoco se dejaba de lado las canciones en el que se destacaba tintes contestatarios pero no agresivos, que remarcaban el respeto por sus  derechos civiles, de sentirse integrados e igualitarios con el resto de la sociedad y con el mismo anhelo de concretar el famoso "sueño americano". La arquitectura de estas producciones estaban perfectamente ideadas, siempre con brillantes arreglos de coros, acompañados de una cuidadosa coreografía, y una estética impecable de la imagen (rostros sonrientes, buenos peinados, elegancia en el vestir, un sentido del refinamiento), Todo esto, empujado por un estratégico estudio de promoción, en la que era vital tanto la alta rotación en las radios, como la difusión en la prensa especializada, y siempre apoyado en las permanentes presentaciones en shows televisivos (Show de Ed Sullivan, Top of the Pops, etc.). El marketing estaba perfectamente estudiado y aplicado. El éxito desde ya.... asegurado.

Los primeros artistas contratados fueron Mary Johnson, Mary Wells y el propio compositor y arreglador Barret Strong. Este último daría el primer éxito a la compañía en el año 1959 con el tema "Money (That's What I Want)". En 1960 de la mano del mismo Smokey Robinson, ahora comandando a The Miracles, llegó al número uno de la lista de Billboard R&B con "Shop Around". Al año siguiente, The Marvelettes logró el primer y rotundo gran éxito de las listas pop y aceptado por todo un público norteamericano, con el sencillo "Please Mr. Postman" que luego sería grabado por The Beatles (a lo igual que "Money"). Con el tiempo y a lo largo de su historia, la Motown consiguió colocar  más de 180 canciones entre las número uno de las listas, quedando en claro la intuición de Berry Gordy en el gusto popular y su gran conocimiento del negocio musical. Por esos primeros tiempos de apogeos durante el primer lustro de la década del 60', se sucedieron los éxitos con grandes artistas descubiertos y fichados por el sello. Eran muy populares los grupos vocales de chicas: The Marvelettes, Diana Ross and The Supremes, Martha and The Vandellas, The Velvelettes, The Crystals. Lo mismo sucedía con los grupos vocales masculinos (mucho de los cuales, también aportaban su propia instrumentación): Smokey Robinson and The Miracles, The Temptations, The Four Tops, The Isley Brothers, Junior Walker and the All Stars. Más adelante finalizando la década, The Jackson Five (con un niño llamado Michael) y los Commodores (con Lionel Ritchie), entre otros. Los mixtos como Gladys Knight and The Pips. Los solistas también fueron parte importante de este sello, luciéndose artistas de la talla del genial Marvin Gaye (un hijo dilecto de Motowm), Tammi Terrell (inolvidable en sus duetos con Marvin Gaye), Mary Wells, Kim Weston, Edwin Starr, Thelma Houston, la presentación del pequeño joven maravilla, el prodigioso Stevie Wonder, los debuts solistas de los hermanos Jimmy y David Ruffin, como así también Eddie Kendricks (todos de The Temptations), Diana Ross (The Supremes). Incluso ficharon a artistas blancos como Rare Earth (iniciando la era del llamado "Soul Blanco") y hasta Jose Feliciano. Las canciones de Motown cruzaron el Atlántico y tuvo gran repercusión no solo en el público ingles, sino también en las incipientes bandas que comenzaban sus primeros pasos en el viejo continente. No solo The Beatles (con los temas mencionados anteriormente), sino también The Rolling Stones, The Who, entre otros.

Motown fue una verdadera familia donde cada eslabón de su perfecta maquinaria era un  integrante fundamental. Los estudios de Hitsville USA no solo era el lugar donde se cocinaba el producto, sino también era el centro de reunión de los músicos, que solían juntarse a pasar el rato, compartir momentos amigables, juntarse a comer, zapar música. Solo se cerraba de 8 a 10 hs para limpiar. La calidez reinaba en ese mítico lugar. Con el correr del tiempo y el crecimiento del sello, se agrandaron las oficinas y se construyeron nuevos estudios, pero la mística siempre fue la misma.
Su reinado durante los 60's marcó el pulso de la época. Tanto Motown, como el otro gran sello especializado en soul, hablamos de Stax Records, radicado en Memphis, se constituyeron en una fuerte base de apoyo en la concientización a los jóvenes blancos, de las reivindicaciones sociales encabezadas por el líder Martin Luther King, siempre teniendo como insignia la razón, la no violencia, y el respeto individual del prójimo sea cual fuera la raza o color. 
Ya sobre finales de los 60's y durante los 70's, su apogeo no fue el mismo, aunque si su influencia.

En 1972 Gordy trasladó sus oficinas a Los Angeles y continuó produciendo artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye, Smokey Robinson, The Commodores, Diana Ross que mantuvieron el fuego sagrado, más el agregado de Rick James, los debuts solistas de Lionel Ritchie y Michael Jackson, entre otros artistas. Su influencia fueron vitales en el funk de Sly and The Family Stone, el combo Parliament-Funkadelic y el surgimiento de la música disco, especialmente con bandas funk como Earth, Wind and Fire, Kool & The Gang, Chic, Tavares, o las vocales Sister Sledge. Los 80's continuaron su legado con varios de los artistas del sello: Marvin Gaye grabó su último hits "Sexual Healing" antes de su muerte, Lionel Ritchie, cosechó su más grande éxito "All Night  Long (All  Night)" y Stevie Wonder hizo lo propio con el mega hit "I Just Called to Say I Love You". A su vez se sumaron jóvenes y nuevos artitas como El DeBarge, Rockwell, entre otros. La influencia siguió visible en artistas como Prince, Daryll Hall & John Oates, Terence Trent D'arby y mucho del pop de los 80's. En 1983 celebró a lo grande sus 25 años con un especial de televisión donde no se reparó en sorpresas. Así el público disfrutó de acontecimientos como la reunión de Diana Ross con The Supremes, Michael Jackson con The Jackson Five, la actuación de The Temptations y The Four Tops, agregándose la participación de otro emblema del sello, Marvin Gaye. También se pudo vivir la histórica presentación de Michael Jackson en plena fiebre "Thriller" realizando por primera vez en vivo, su famoso "moonwalk" al groove de "Billy Jean".

En Junio de 1988 Berry Gordy vende Motown Records a MCA y Boston Ventures por 61.000.000 dólares, tomando este el control total en 1991, terminando así una etapa dorada de la historia de la industria musical. Desde entonces hasta el día hoy, Motown sigue sacando artistas nuevos, pero tratando de imprimir una nueva dimensión al soul. Su nueva etapa lo encuentra enfocado en reinventar el género sin olvidar sus raíces, alentando a artistas del llamado Neo Soul y escapándole a los sonidos más ligados al hip hop y a las tendencias electrónicas que parece primar hoy en día. A pesar de  estar en continuo movimiento, todavía no se repone de la nostalgia que le provoca sus años de gloria.... Hoy decir Motown, es hablar de un ícono, de la banda sonora de una época, de un sonido, de una forma de crear y sentir la música.... Grandes artistas fuera del género, consideran  a esos años emblemáticos del sello, como fundamental en su formación musical: David Bowie, Mick Jagger, Rod Stewart, Steve Winwood, Phil Collins pueden hablar de ello....
Hoy en día, la Motown llegó a crear 45 filiales de distintos géneros musicales, permanece vigente en New York como subsidiaria de Universal Music Group, y celebra  sus 50 años con nuevos lanzamientos y numerosas reediciones. Su catálogo sigue vigente, permanentemente reversionada y homenajeada.

Quedarán para siempre en nuestro corazón memorables hits como: "Dancing In The Street" o “Heat Wave” de Martha and The Vandellas, "You Really Got A Hold On Me" de Smokey Robinson and The Miracles, "My Girl" de  The Temptations, "Baby Love" de The Supremes, "What's Going On" de Marvin Gaye  y "Superstition" de Stevie Wonder.
Su legado quedará arraigada fuertemente en la cultura musical del siglo XX.
Dueño de un estilo único e inconfundible.... El sonido del alma.... el sonido Motown.

Nos disponemos a escuchar a algunos de los más emblemáticos artistas Motown.


Antes... un paseo por Hitsville USA. El Studio "A" de Motown, mejor conocido como "The Snakepit".

Smokey Robinson & The Miracles - "Shop Around (1960).




Smokey Robinson & The Miracles - You really got a hold on me" (1962).




The Marvelettes - Please "Please Mr. Postman"(1961).




Mary Wells - "My Guy" (1964).




The Four Tops - "Baby I Need Your Lovin'" (1964).




The Four Tops - "I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)" (1965).




Martha & the Vandellas - "Heat Wave" (1963).




Martha & the Vandellas - "Dancing in the Streets" (1964).




The Temptations - "My Girl" (1965).




The Temptations - "Get Ready" (1966).




The Supremes - "Baby Love" (1964).




The Supremes - "Where Did Our Love Go" (1964).




The Supremes - "Stop! In The Name Of Love" (1965).




Marvin Gaye - "How Sweet It Is (To Be Loved by You)" (1964).




Marvin Gaye & Tammy Terrell - "Ain't no Mountain High Enough" (1967).




Gladys Knight & The Pips - "Midnight Train To Georgia" (1973).




The Jackson Five - "I Want You Back" (1969).




Stevie Wonder - "Superstition" (1972).

Janis Joplin - La perla perdida....

Janis Joplin con menos de una década, le alcanzó para convertirse en el más grande símbolo femenino del rock de todos los tiempos. Fue una bandera de fortaleza por su personalidad rebelde, su posición jugada y bien al frente por lo que creía justo, la firmeza de sus convicciones, la valentía  frente a las  discriminaciones que sus ideales le generaban. Quiso cambiar las cosas, lo intentó.... Fue la voz de la insatisfacción de una generación que deseo hacer las cosas de otra manera.... y que quedó en deuda con sus sueños.

Esa fortaleza era la contracara de una misma fragilidad. En ella no existían los puntos medios, en ella siempre los polos se chocaban. Era conmovedora su lucha constante contra los traumas que ella misma se generaba,  como así también de sus excesos. Así de intensa fue su vida.
Solo pedía respeto y cariño a gritos. Ella misma conspiró contra su vida....  seguramente no fue su exclusiva responsabilidad, quizás recibió un poquito de ayuda.... 
La vida pocas veces da segunda oportunidades, ella decidió tomar un atajo para lograr su paz interior tan buscada. Escogió el camino mas tortuoso y sinuoso.... Sin saberlo, alcanzó la gloria y la inmortalidad. Hoy cuando decimos Janis.... sabemos a quién nos estamos refiriendo.... casi que es una obviedad. Cuantos seres pueden lograr eso ?....

Contaremos a grandes rasgos la historia de Janis, la mujer que nos regaló su alma....

Nacida en 1943 en Port Arthur (Texas), ciudad incompatible para una mujer con semejante personalidad. De adolescente se vinculó con jóvenes intelectuales que moldearon su personalidad e inquietudes. Como era de esperarse, en la sociedad conservadora texana  fue rápidamente marginada. Comenzó a mostrarse como activista en rechazo del racismo. Sintió un acercamiento especial  con las personas de raza negra, no solo en la lucha por sus derechos y su integración, sino también con su música. Comenzó a frecuentar los bares de Louisiana, ávida de blues y jazz. Mientras estudiaba  Bellas Artes, a los 17 años se atrevió a cantar en distintos bares colaborando con los Waller Creek Boys. Sus espejos eran Bessie Smith, Odetta y Etta James. En 1963 con su pelo teñido de naranja, dejó su ciudad natal para trasladarse a San Francisco, cuna de una incipiente revolución cultural, que dejaba atrás los paradigmas del conservadorismo imperante, para soñar un nuevo ideario basado en la libertad, la paz y el amor, hablamos del movimiento hippie. Allí empieza a vincularse con distintos músicos de la escena, que a futuro formarían parte de bandas como Gratefuld Dead y Jefferson Airplane. En este período fue cuando conoció las drogas, adicciones que se sumó a sus dotes de "gran bebedora". En 1965 luego de un período de experimentación tanto artística como en la búsqueda personal de un nuevo modelo de vida, decide volver a Texas para retomar los estudios. Este regreso  venía con sorpresa, ya que había decidido consagrarse al matrimonio con un tal Peter Le Blanc, que había conocido en San Francisco. Abandonada antes de contraer enlace y ante tal desengaño, la sensación de tristeza la sumergió aún más en al abandono de su persona e incrementó su inseguridad afectiva, que ya de por sí, era bastante remarcada.

La etapa con Big Brother and the Holding Company:
En 1966 a instancias del productor Chet Helms, al que había conocido en Texas, se instala definitivamente en San Francisco, y es presentada a la banda que este representaba: Big Brother and Holding Company. El grupo gozaba de cierto prestigio en la incipiente escena psicodélica de la costa oeste, pero para lograr su definitiva aceptación necesitaban una buena voz. La banda estaba integrada por Sam Andrew y  James Gurley en guitarra, Peter Albin en bajo y David Getz en batería. Inmediatamente Janis se une a ellos, logrando una comunión perfecta con el resto de sus integrantes. Rápidamente comienzan a tocar dentro del circuito de San Francisco, compartiendo escena con los Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, entre otros. Ese mismo año graban su primer álbum que lleva su nombre, "Big Brother and the Holding Company", pero que se editaría un año más tarde. Janis se sintió atraída por la gran libertad artística y forma de vida que reinaba en la costa oeste. La banda participó cada vez de más eventos, siendo sus preferidos los festivales al aire libre, donde la mística de San Francisco se vivía en su máxima expresión. Hablamos  del nacimiento del "verano del amor" y el surgimiento de una nueva contracultura que cambiaría la década del 60'.
Su gran presentación fue el 17 de Junio de 1967 en el histórico festival de Monterrey Pop, del que participaron Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, The Mamas and The Papas, The Who, Canned Heat, Ottis Redding, The Byrds, Gratefud Dead, Simon and Garfunkel entre otros. Este festival sirvió para la consolidación de muchos de estos artistas. Este primer "gran concierto" fue documentalizado, pero debido a que su presentación no fue filmada, les solicitaron que tocasen al día siguiente. Janis interpretó el clásico blues "Ball and Chain" de Big Mamma Thornton, el público enloqueció. Así se gana el apodo de "La dama blanca del blues". El boca a boca corrió rápidamente y de igual forma el prestigio de la banda. La carrera de los Big Brother comienza  a crecer vertiginosamente, no veían un límite y su cantante brillaba con luz propia.

 En Septiembre de 1967 se edita ese primer trabajo por el sello Mainstream. El álbum tuvo una buena recepción, pero menor a la que se esperaba luego de su gran performance en Monterrey Pop. Este álbum combinaba altas dosis de blues rock, un sonido cercano al country  y aires psicodélicos por igual. Janis compuso tres canciones de las diez que integran el álbum. Su voz alternaba como principal y coros. Se destacaban temas como "Bye Bye Baby", "Call on Me", "Down on Me" que fuera su primer sencillo. La voz rasposa de Janis calaba profundo en el corazón, desafiaba los límites a los que cualquier otra garganta podía  llegar. La angustia transmitida por sus cuerdas vocales liberaban sentimientos que provocaban profunda emoción. Era evidente que la banda era la que aportaba el sonido más psicodélico, pero ella, la que "tenía el blues".... En  Marzo de 1968 bajo la tutela de Albert Grossman  (productor de Bob Dylan) se trasladan a New York para registrar su segundo álbum "Cheap Thrills" que sale a la luz en Agosto del mismo año por Columbia Records. Este disco agrega a su sonido emparentado con el blues y el rock psicodélico, componentes más ligados al soul. Observamos una banda muy ajustada y la dramática voz de Janis, que con solo oírla te desgarraba el alma. Sus susurros gastados conmovían hasta las lágrimas. Janis nos eriza la piel en su versión del clásico de Gershwin "Summertime", donde también brillan las guitarras de Sam Andrew y James Gurley. "Piece of my Heart" es una balada soul con la que Joplin nos termina de robar el corazón y nos lo devuelve hecho añicos. El swing melancólico de "Turtle Blues" nos revela a Janis, no solo como una extraordinaria intérprete, sino también como una gran compositora. La versión de "Ball and Chain" con la que  dejó boca abierta a la audiencia de Monterrey Pop, cierra este gran disco. A los tres días se convierte en disco de Oro, las críticas fueron excelentes. El disco se mantuvo primero en la lista de Billboard durante ocho semanas, siendo finalmente el álbum mas vendido de 1968, rozando casi el millón de copias. La prensa especializada y el público amaban a Janis. Todo empezó a centrase en ella. Solía decirse que era demasiado buena para los Big Brother. La luz de su estrella comenzó a eclipsar al resto del grupo, que comenzó a sentirse opacados por su presencia, generando una incómoda  y cada vez  más frecuente tensión entre ellos. A instancias del productor Albert Grossman, Janis abandona a los Big Brother para formar una nueva banda integrada por grandes sesionistas del país, que se centraría exclusivamente en su figura.  Big Brother and the Holding Company  no se desarmaría como banda y grabaría en 1970, ya sin la presencia de Janis, el álbum "Be a Brother" (1970). La banda continuó trabajando y en 1971 registraría "How Hard It Is". El éxito no los acompañó.... y la sombra de Janis sobrevoló el resto de su existir.

La etapa con The Kozmic Blues Band:
A principios de 1969 la banda ya estaba conformada, llevándose consigo al guitarrista Sam Andrew. En Septiembre de ese mismo año y también por Columbia Records, se edita su debut comandando The Kozmic Blues Band, con el nombre de "I Got Dem Ol Kozmic Blues Again Mama!". Janis se despojaba del sonido más psicodélico para abrazar de lleno un sonido hard blues y más soul, sumando toques funkys a su música. El disco abría con el funk "Try (Just Aittle Bit Harder)" en la que incorporaba una base de bronces que le daba una coloratura soul distinta a lo que venía realizando. Continuaba con "Maybe" también enfundada por una sesión de vientos y un sutil Hammond que permitía que su voz volara hasta lo más alto. Ese sonido se repetiría a lo largo del disco. La banda brilla en el funk "As Good as You've Been to this World" donde los vientos suenan a lo James Brown. Janis nos endulza con una gran versión del tema de los Bee Gees "To Love Somebody". "Kozmic Blues" es un blues que te penetra, dejándote desangrado y mal herido.... El álbum alcanzó el disco de oro a los dos meses de su lanzamiento, pero la crítica si bien la acompañó, no se mostró unánime en el buen recibimiento.
En Abril de ese año, Janis and The Kozmic Blues Band inicia una importante gira por Europa, que la llevaría a Londres, París, Frankfurt y Estocolmo, siendo muy calurosamente recibida por el público europeo. Durante ese período comenzó a sentir la presión de ser una estrella y sintió que todos los ojos se posaban en ella.... Era sabido que no se sentía a gusto consigo misma desde lo físico, a su vez sufría un profundo vacío espiritual. Todo esto ayudó para que se volcara aún más al alcohol y al uso de distintas drogas, especialmente la heroína y las anfetaminas. Cada vez era más dependiente de las mismas y su estado comenzó a deteriorarse  proporcionalmente a  su mayor exposición. Llegó a sufrir la extrema delgadez, llegando a pesar 35 kilos.  A pesar de su debilidad, se mostraba como un símbolo fuerte para el público femenino, que la tomaba como una insignia de rebeldía y de lucha en favor de sus derechos.

Su participación en Woodstock el 16 de Agosto de 1969 fue conmovedor y contribuyó a solidificar aún más su extraordinario presente profesional, como así también, acrecentar su imagen de  "Gran Hechicera Cósmica", pero al mismo tiempo se sentía poco contenida por su entorno y su banda que eran por demás profesionales, pero poco tenía que ver con el concepto de banda familiar que necesitaba Janis para este particular momento de su vida. Sobre finales de 1969, ya agobiada por el alcohol y las drogas decide desarmar la banda y hacer una pausa para intentar recomponerse. La despedida se celebró con dos conciertos realizados el 19 y 20 de Diciembre en el Madison Square Garden de New York. Este sería el final de una etapa para Janis Joplin. Los excesos la habían desgastado por completo, los desordenes tanto en lo afectivo como en su vida sexual, le pedía a gritos una pausa en su vida. Solía decir: "Hago el amor con 25.000 personas en el escenario pero vuelvo a casa sola”.
Durante 1970, en un viaje de desintoxicación y descanso a Río de Janeiro, el amor vuelve a golpear la puerta de su corazón. Fue un período donde parecía recomponerse. Regresó a San Francisco, con su nueva pareja, después de unas largas vacaciones donde recorrieron las selvas brasileñas. Janis lejos de la heroína, aunque no del todo del alcohol y con su pareja instalada en su casa, forma una nueva banda armada especialmente para ella, por su productor y protector Albert Grossman. Esa banda se llamaría The Full Tilt Boogie Band.

El final y el nacimiento de la leyenda:
Su novio de ese momento pretendía extender esas eternas vacaciones para seguir viajando por el mundo, pero Janis decidió abocarse a su nueva banda con la que había congeniado perfectamente y con la que por fín parecía sentirse contenida y querida. The Full Tilt Boogie Band  estaba conformada por John Till en guitarra, Richard Bell en piano, Ken Pearson en órgano, Brad  Campbell en bajo y Clark Pierson en batería. Participan del Festival Express en Toronto, junto a los Grateful Dead, The Band, Delaney and Bonnie, The Flying Burrito Brothers, Buddy Guy, entre otros. En Septiembre de 1970 se traslada a Los Angeles para iniciar la sesiones de grabación de un nuevo álbum que se llamaría "Pearl". Sería el primer álbum que registraría con su  nueva banda a la que le sumaría como invitado, el gran guitarrista de soul, Bobby Womack y la acompañaría una importante sesión de vientos.
El 4 de Octubre luego de un gran día de grabación, Janis y sus compañeros salieron a celebrar. Los estudios forenses informan que en la madrugada de ese día a la 1:40 hs, Janis Joplin muere por sobredosis de heroína, luego de haber ingerido gran cantidad de alcohol. No se supo muy bien las circunstancias de su deceso, en ese momento pareció encontrarse sola, su cuerpo fue encontrado dieciocho horas después en la habitación del hotel donde se hospedaba. La noticia causó gran conmoción y sorprendió a todos. Janis parecía por aquellos días, estable y lejos de sus adicciones e incluso había encontrado nuevamente el amor. Se pensaba que estaba pasando el mejor momento de su vida en muchos años. El expediente policial muestra algunos misterios en torno a este desenlace. La heroína consumida era de máxima pureza, la jeringa utilizada  jamás fue encontrada, alimentando la sospecha que alguien más estuvo con ella en sus momentos finales. Janis tan solo tenía 27 años. Su cuerpo fue incinerado en Westwood, California y sus cenizas fueron arrojadas al Pacífico. Solo tenía 10.0000 dólares que fueron repartidos por testamento a sus amigos, que la homenajearon con una "gran fiesta salvaje".

La muerte de Janis traza un triste y trágico paralelismo con la muerte de otros grandes íconos de la época fallecidos en ese período comprendido entre 1969-1971: Brian Jones, Jimi Hendrix (15 días antes) y Jim Morrison.

El 1 de Febrero de 1971 se edita "Pearls", que se mantuvo número uno en ventas por catorce semanas. Su álbum nos deja.... como bien podría figurarse, hermosas perlas.... haciendo honor a su título. La fuerza que nos transmite "Move Over" poco podría presagiar ese final. Su gran tema por la que siempre será recordada, nos referimos a "Cry Baby", quizás su despedida, es el lamento de adiós más dulce que jamás se haya escuchado.... En "A Woman Left Lonely" nos grita su eterna soledad en la cara. Su ternura nos conmueve en "My Baby". Nos congela la sangre en "Mercedes Benz" donde el tema queda finalmente editado a capela a modo de homenaje, siendo su último tema en preparación antes de su final. Quedan para siempre sellados en nuestro corazón, otros clásicos como "Trust Me" y "Half Moon". "Buried Alive In The Blues",  tema que finalmente Janis no alcanzaría a poner su voz, quedando como testimonio instrumental de lo que fue su gran banda de apoyo para este crucial momento de su vida, The Full Tilt Boogie Band.  El álbum es una "foto polaroid perfecta".... Como todo lo que se sabe único y que jamás volverá a repetirse....

Janis fue una mujer jugada y apasionada, que se tomó la vida a grandes tragos. Quiso querer y pidió a gritos que la quisieran.... Su voz jamás se apagará.... y vivirá inolvidable, cada vez que una púa caiga sobre  un vinilo, que un Mercedes Benz encienda su motor para rugir la ironía de su opulencia....  o simplemente.... cada vez que una mujer se sienta abandonada....
Su presencia quedará fuertemente impregnada en la cultura popular. Para siempre inmortalizada como uno de los verdaderos íconos de la contracultura del siglo XX. Símbolo de una década que se comió vivo a sus más notables protagonistas.... Aquellos que de vivir tan rápido y sentir tan inténsamente.... se prendieron fuego. Seres únicos que se ganaron para siempre una porción de eternidad y que  se transformaron en verdaderas leyendas...


Una vez más nos disponemos a disfrutar de toda su magia.
Por las dudas, tengamos un pañuelo a mano.... 
Siempre es dificil contener las lágrimas ante tanta pasión y entrega. Permítanme emocionarme y ustedes.... no tengan miedo de hacerlo.... 
Es natural que todo ser vivo, que se detenga a escuchar sus hermosas canciones, sucumba a su ternura y se quiebre al sentir su pedido desesperado.....
Recuerden.... ella tan solo quería que la quieran.....

"Down on Me" del álbum "Big Brother and the Holding Company" (1967).





Su presentación junto con Big Brother and the Holding Company en el festival "Monterrey Pop" de 1967.
Janis conquistó al publico con su versión de "Ball in Chain" del álbum "Cheap Thrills" (1968).





"Piece of my Heart" del álbum "Cheap Thrills" (1968).




El clásico de Gershwin "Summertime" del álbum "Cheap Thrills" (1968).




"May Be" del álbum "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!" (1969).




El clásico de los hermanos Gibb "To Love Somebody" del álbum "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!" (1969).




"Try (Just a Little Bit Harder)" del álbum "I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!" (1969).




"Move Over" del álbum "Pearl" (1970).




"Half Moon" del álbum "Pearl" (1970).




"My Baby" del álbum "Pearl" (1970).




"Cry Baby" del álbum "Pearl" (1970).




"Mercedes Benz" del álbum "Pearl" (1970).

Les pido permiso para escribir (en voz alta) lo que pienso, casi sin procesarlo demasiado.... Que va....

Siento que determinados seres.... quizás deban partir antes de tiempo.... Es lógico que así suceda.

Tal vez merezcan la eterna juventud (posiblemente nosotros necesitemos eso), ya que vivieron demasiado e hicieron más que todo un condado en tan poco tiempo, dejándonos más de lo que cualquier otro simple mortal nos dejaría en toda una vida..... Podríamos decir que fueron jovenes viejos, de tanto trajinar.... y poner su cuerpo y alma.

Necesitamos verlos eternamente jóvenes.... No nos bancaríamos verlos desgastados en el tiempo.... que no perdona ni a estos duendes mágicos.....

Por eso.... mejor dejar así las cosas.... Recordar sus rostros llenos de vida, mirándonos desde los pósters y observándonos desde la  contratapa de un disco.... anticipando el futuro que no cuadra con sus utopías.... y posiblemente tampoco con las nuestras....

Son unicornios alados que hay que dejarlos partir.... tan solo para que se queden dentro de uno para siempre....

Como dijo alguno por ahí.... "Morir joven y tener un cadaver hermoso...."

Lo único que sé, es que nos dejaron momentos maravillosos, que a veces nos ayuda y nos sirven de estímulo para soportar situaciones difíciles y porque no?.... sentir algunas gotitas de felicidad en ciertos momentos mágicos que de tanto en tanto nos toca vivir.... 

No tengo dudas que para esos seres.... esa fue su misión en la vida.... Creo que ya cumplieron y estan listos para su próxima parada.... quien sabe dónde y cúando....

Brindo por estos seres maravillosos !!!!  Apuro un trago por ellos y salud !!....

Nos estamos viendo.

Il Pollio Q' Cacarea.

Tim Buckley - La garganta rebelde que no pudo ser....

Timothy Charles Buckley III, norteamericano hijo de irlandeses nacido en 1947, destinado a ser una de las grandes estrellas del firmamento musical de la época. Su luz se apagó antes de tiempo, dibujando una estela de magia. Su chamánica voz nos dejó el interrogante de hasta donde hubiera llegado, si la parca nos lo hubiera dejado un rato más en esta tierra de mortales. Posiblemente el destino de estos artistas distintos sean incompatibles con lo terrenal, y quizás esa sea la explicación a la temprana partida de estos ángeles sin alas. Seguramente la eternidad sea el mejor lugar para ser habitado por ciertos seres mágicos. Tanto talento solo puede ser medido en espacio-tiempo. En esa perspectiva que nos deja la distancia, hoy podemos apreciarlo en toda su dimensión. Lástima que todo lo hermoso es efímero en este mundo y solo sobrevive en la inmortalidad. Tim Buckley se convirtió en un mito, aunque todavía.... no muchos se han enterado.

Con su rostro aniñado transitó los pubs del Soho Neoyorquino y los clubes de los Angeles, tan solo en compañía de su guitarra. Se reúne con su compañero de estudios en California, el poeta Larry  Beckett, con él que conforma una inspirada sociedad compositiva. Tempranamente fichado por el sello Elektra, en 1966 graba con tan solo 19 años su primer álbum bautizado con su mismo nombre, dejando sentado que su presencia no pasaría desapercibida. En él se destaca un sonido acústico, apoyado en la guitarra de su lugarteniente Lee Underwood. Este debut nos presenta a un Buckley inspirado en el sonido Folk de Dylan, pero mirando mas allá del género, aportando aires psicodélicos que nos lleva a dar  un paseo en un carrusel lisérgico. Sus dotes vocales, sus largos fraseos cargados de miel, nos hace recordar por momentos a Roy Orbison. Desde el primer momento se presenta con el vibrante cosquilleo que nos provoca "I Can' t See You", para luego suavizarnos y acobijarnos en "Wings". Nos hace flotar como una pluma cayendo de un noveno piso en "Song of the Magician" y "Song Slowly Song". Se calza su mejor traje de corte dylaniano en "It Happens Every Time" y "Song for Jaine", para imprimir el final folkie con que cerraría el resto del disco. Durante 1967 graba el fundamental "Goodbye and Hello", con el que conoce el temprano éxito y se gana un pasaje en primera clase a el olimpo de los grandes cantantes del rock. Su rango vocal lo encuentra haciendo uso y gala de sus más amplios recursos, llevándonos a distintos estados emocionales. Sentimos angustia en la extraordinaria "Morning Glory", donde su voz simplemente se desliza, acompañado por un coro gospel que nos deja esa sensación de tristeza anudada en el pecho. Percibimos cierto halo de misterio nostálgico en "No Man Can Find The War" y "Phantasmagoria in Two". Nos hipnotiza en "Hallucinations," haciéndonos ver esas cosas que no se pueden ver. Nos hace vibrar en la épica de "Pleasat Street" y el precioso barroquismo de "Goodbye and Hello".

Tim comienza a sentir que el rumbo que quiere tomar para su carrera y su música, poco tiene que ver  con lo que el medio esperaba de él. Así como en una declaración de principios, se enfrenta a un productor de un show televisivo, recordándose una frase que resume su sentir por aquellos días: "¡Mirá vos! ¡Este imbécil me pide que mueva los labios y haga creer que canto mientras pasan mi disco!". Busca nuevos desafíos en lugar de alojarse en la comodidad que le había arrebatado al mainstream de la música. Explora nuevos sonidos, se acerca al jazz y le imprime cierto sello a sus melodías. El resultado es "Happy Sad" de 1969, trabajo que lo hermana con el genial "Astral Week" realizado meses antes por Van Morrison. Este disco climático navega por aguas con fluidos jazzísticos y bluseros.  La guitarra de Lee Underwood suena mas inspirada y fina que nunca, sus aportes de teclados se escuchan más sutiles. Se produce un quiebre en su carrera, donde profundiza su permanente exploración, incorpora nuevos matices aportados por instrumentos que antes no había  utilizado en su música, como el vibráfono. El pulso jazzy del bajo acústico de John Miller le da una paleta sonora distinta y lo comprobamos en el tema que abre el álbum, el ablusado "Strange Feelin' " (quizás inspirado en el "Kind Of Blue" de Miles Davis ?). La percusión cobra vida en el sonido tribal del extraordinario "Gipsy Woman" tema que seguramente hasta el mismísimo Hendrix hubiera querido componer.... La voz de Buckley comienza a sonar más como un instrumento que cobra vida propia. El climático "Love from Room 109 at the Islander (On street on Pacific Coast Highway)" irradia delicadeza. El impresionista "Dream Letter" nos invita a la nostalgia y refleja su madurez compositiva. En este período, Buckley se aleja de su socio desde la adolescencia Larry Beckett, reclutado por el ejército. Comienza a tener la responsabilidad exclusiva de sus letras, dándole otra impronta a sus letras y ganando en complejidad y experimentación en su música. Así Buckley da un golpe de timón en su carrera, dando un portazo a lo que las convenciones que la industria musical de la época dictaba para todo artista que sacaba carnet de estrella. Su hermosa bravuconada pagó con los sinsabores que le generaron la vertiginosa caída de sus ventas y la pobre rotación en los medios. Desde el punto de vista comercial pareció un suicidio, aunque el tiempo se encargó de darle la verdadera dimensión a este quiebre en su música. Todo este vertiginoso momento lo sumergió aún más en las drogas, en las que ya venía experimentando. Su personalidad se volvió más impredecible y tormentosa. Tim no era un muchacho fácil y tan solo tenía 21 años.... En 1970 registra el más intimista "Blue Aftenoon", donde se lo encuentra más convencional pero con la elegancia misteriosa presentada en su álbum anterior y siempre acompañado de sus guitarra de 12 cuerdas. Así lo escuchamos en "Chase The Blues Away", "I Must Have Been Blind"  y "Blue Melody" en los que pasea su melancolía ideal para mirar por la ventana  en una tarde lluviosa.... para luego volver a inquietar e incomodar con "Nobody Walkin´".

El cambio de década lo encontra aún más inquieto y redoblando la apuesta. Cambia de sello y firma para Bizarre/Straight, propiedad de Frank Zappa, lo cual marca claramente el rumbo escogido. Su próxima apuesta es "Lorca" también de 1970, álbum en el que traza un paralelismo con la vida del poeta granadino. Este es un disco de transición para lo que sería su próximo golpe maestro. Tim estaba cada vez más empecinado en nadar en mares turbulentos. Su voz se vuelve cada vez más incómoda a la simple escucha, buscando cada vez más la experimentación. Buckley se define como un artista de Avant Garde. El tema que abre y lleva el nombre del álbum, es un desafío a los oídos, el piano eléctrico de Lee Underwood suena atemorizante, juega y pone a prueba el virtuosismo de Buckley. Al mismo tiempo y en contraposición  "Driftin' " transmite pura calma. En este tema, Lee toca las cuerdas de tal manera que nos recuerda al mejor J.J. Cale. Tim se vuelve cadencioso al ritmo de las  congas en "I Had a Talk With My Woman". El costado mas rocker asoma en "Nobody Walkin' " imprimiéndole vértigo al cierre del disco. El comienzo de la nueva década lo encuentra más provocador que nunca, al registrar nuevamente un tercer trabajo en  el mismo año, demostrando lo poco que le importaba los cánones comerciales. Así edita quizás su obra maestra. Obra que con el tiempo se convirtió en álbum de culto, nos referimos al enigmáticamente  genial "Starsailor". Este trabajo constituyó un salto al vacío en su carrera. Su música estaba totalmente desprovista de ataduras y límites. Jamás sonó tan libre y desprejuiciado. Su sonido era inclasificable y lejos de cualquier estructura. La banda llega a su estado de máxima conjunción y sincronización. Eran constantes los cambios de ritmos en temas como "Come Here Woman", "Jungle Fire". Su voz sonaba más arriesgada que nunca, las letras pasaban a ser más minimalistas para dar paso a un concierto de aullidos, gemidos y diversos juegos vocales. ""Moulin Rouge" le da el toque más fácilmente audible, enfundada en forma de chanson francesa. Mucho antes que Lisa Frasier la popularizara en los 80's con el seleccionado del sello 4AD conformado por This Mortail Coil, el majestuoso "Song to the Siren" nos transporta a imágenes de ensueño. "Starsailor" rompe todas sus barreras para convertirse en su tema mas jugado y experimental. El Free Jazz se corporiza en el frenético "The Healing Festival" con salvajes sonidos de vientos. Ese espíritu se mantiene en su tema mas sensual realizado hasta ese momento "Down by the Boderline". Este trabajo significó para Buckley un momento de replanteo en su carrera.

Desgastado por las pocas ventas y la indiferencia de la prensa que no comprendía del todo la dirección que había tomado su música, decide tomarse un descanso. Durante ese período poco se supo de él. Los rumores lo relacionaban trabajando de taxista, intentando aventurarse en la actuación o probando  suerte como escritor. Se supo que su espíritu inquieto lo llevó a estudiar etnomusicología, intentando buscar otras raíces que le dieran frescura a su música. Luego de tomar el aire necesario, decide reinventarse y se vincula con otros músicos, formando una nueva banda que le dieran otra coloratura a su música. En 1972 edita "Greetings From L.A". Este trabajo es un giro de 360 grados en su música. Tim se pone sexy y cool y junto a su aceitada banda genera un coctel explosivo de sensualidad. Coquetea con el soul y el funk  jugando a ser a Marvin Gaye. "Move with Me" es la carta de presentación. Coros femeninos, guitarras rítmicas frenéticas,  líneas de bajos precisas, baterías con  escobillas, percusiones que pintaban atmósferas sutiles, sesiones de bronces al mejor estilo soul de Memphis. Recrea perfectamente el sonido del emblemático sello Stax Records. "Get on Top" es puro cosquilleo en el cuerpo. "Sweet Surrender" es un delicado susurro al oído. "Devil Eyes" es 100 % funk rabioso. Tim Buckley se presenta como un encantador de serpientes. Su carrera cobra nuevos bríos, provocando gran sorpresa en establishment musical. Al año siguiente pone a la luz un nuevo trabajo, "Sefronia". Este álbum continúa con la línea impuesta por su predecesor. Más soul y funk, pero con el agregado de baladas que invitaban a una noche especial. Tim Buckley se había reinventado y se mostraba como un hábil camaleón. Realiza una exquisita versión de "Dolphin" del gran Fred Neil. Así como en el anterior trabajo se lo escuchaba en algunos temas emparentado a Marvin Gaye, lo encontramos en "Because of You" más cercano a Al Green. "Peanut Man" parece extraido de un álbum de Sly and The Family Stone. " Se apodera del corazón de Peabo Bryson en la balada "I Know I'd Recognize your Face". "Quiksand" es el tema más maduro del disco.
En 1974 registra el que sería su último álbum "Look At the Fool". El tema que abre y lleva el mismo nombre del disco nos regala delicadeza y reafirma a Tim, cómodo en este nuevo traje de artista con alma negra. Los coros femeninos ya son usuales, la banda suena de maravillas. La sensualidad exudada en temas como "Helpless", "Who Could Deny You" parece ser la nueva marca registrada en su música. Cierra  el disco con "Wanda Lou", donde nos invita al baile y porqué no ?.... a batir las palmas....
Quién lo diría de Tim Buckley !!....

Junio de 1975 después de un concierto en Dallas con el que cerraba su gira, en una fiesta  de celebración, cede alcoholizado a la tentación de un amigo que le hace  probar heroína, luego de  haber estado por un período prolongado lejos de las drogas. Quizás esa paradoja de estar limpio.... le jugó una mala pasada. Tim Buckey muere de sobredosis.
Una vez más antes de tiempo.... la fatalidad se lleva y nos priva de un enorme artista. Siempre nos preguntaremos.... cuán lejos hubiera llegado.... Cual hubiera sido su próximo golpe maestro. Que nueva sorpresa se habrá llevado consigo....
Póstumamente se registraron discos en vivo, recopilatorios y de rarezas. El mito se ha agigantado con los años y con la trágica desaparición de su mayor legado.... Su hijo Jeff Buckley, dueño de la misma  perturbadora magia. Como si el talento y la tragedia se heredaran.... Jeff fue arrastrado por la corriente del Río Mississippi, para reunirse con su padre....  Pero esta es otra historia....


Como siempre, quiero compartir con uds algo de su música....
Si nunca lo escucharon.... busquen y exploren en su discografía. Vivan su música....  Descubran sus variados cambios estilísticos.... Sientan su rebeldía..... esa misma que tal vez nos privó de él....


"Pleasant Street" del álbum "Goodbye And Hello" (1967).




"Morning Glory" del álbum "Goodbye And Hello" (1967).

"Sing A Song For You" del álbum "Happy Sad" (1969).




"Happy Time" del álbum "Blue Afternoon" (1970).




"Blue Melody" del álbum "Blue Afternoon" (1970).




"Song To The Siren" del álbum "Stairsailor" (1970).




"Woke Up" del álbum "Stairsailor" (1970).




"Come Here Woman" del álbum "Stairsailor" (1970).




"Dolphins" del álbum "Sefronia" (1974).




"Honey Man" del álbum "Sefronia" (1974).